Greenberg
Una experiencia humana puede producir a un tiempo dos cosas distintas como un poema de T. S. Eliot y una canción ligera, o una pintura de Braque y una portada del "Saturday Evening Post".
Una sociedad durante el curso de su desarrollo va perdiendo la aptitud de justificar lo inevitable de sus formas particulares. Se ve forzada a abandonar las nociones aceptadas respecto de las cuales artistas y escritores fundamentan su comunicación con el publico.
Con la pretensión de superar el alejandrinismo inmóvil, una parte de la sociedad burguesa occidental ha producido la nueva vanguardia. Un examen sobrio de causa y efecto con el coraje de manifestarse agresivamente. El desplazamiento de la vanguardia desde la sociedad burguesa a la bohemia significaba el abandono de los mercados industrialistas. Una tarea que formaba parte de esa confusa mezcolanza de luchas ideológicas que el arte y la poesía encuentran inapropiada. Al retirarse de lo publico el poeta o artista de vanguardia buscaba mantener el alto nivel de su arte depurándolo y elevándolo al plano de la expresión de una totalidad con la que los relativismos y las incoherencias serían consecuentes o vistos sin sentido. Aparecen el <<arte por el arte>> y la <<poesía pura>> y tema y contenido se transforman como algo de lo que hay que huir. Con esa búsqueda de la totalidad fue como la vanguardia llegó al arte abstracto.
Un fenómeno del occidente industrializado es lo que los alemanes han bautizado con el nombre de kitsch; un arte y una literatura comerciales con sus cromolitografías, portadas de revistas, ilustraciones, publicaciones de papel satinado, novelas de detectives, tebeos, canciones del verano, baile de claqué, películas de Hollywood. Un producto industrial de la alfabetización general.
El kitsch al utilizar como materia los simulacros degradados y academicistas aprueba y cultiva esta insensibilidad. Es mecánico y actúa con fórmulas. El kitsch comporta una experiencia indirecta y sensaciones falseadas. Extrae la reserva de la experiencia acumulada.
Artistas y escritores ambiciosos modifican su creación bajo la influencia del kitsch, si no sucumben enteramente. La consecuencia final es un detrimento de la verdadera experiencia humana.
Repin, uno de los máximos representantes de la pintura del kitsch académico ruso.
El Tretyakov, el museo de arte contemporáneo ruso de Moscú, kitsch.
Todos los valores son valores humanos -valores relativos, por tanto- con el arte como con lo demás. Sin embargo, a lo largo de los siglos la gente cultivada ha alcanzado un pacto general de lo que significa el arte bueno y el arte malo. Los gustos han variado; pero no más allá de verosímiles límites. La armonía descansa con la distinción permanente de aquellos valores que solo se encuentran con el arte y aquellos que pueden hallarse en otra parte. El kitsch gracias a una técnica racionalizada que extrae de la ciencia y la industria ha borrado con la práctica esta distinción.
Una portada del "Saturday Evening Post" realizada por Norman Rockwell.
Si la vanguardia imita los procesos orgánicos del arte, el kitsch imita sus efectos. La nitidez de esta antítesis define el abismo que separa estos dos fenómenos simultáneos. Ese abismo se corresponde con el abismo social de la minoría de los poderosos y la masa de los pobres y explotados. Los axiomas de la minoría son compartidos por la mayoría; estos ultimos creen supersticiosamente lo que los primeros creen sobriamente.
Constituye un lugar común afirmar que el arte se transforma como un manjar exquisito -y por tanto inalcanzable- para el pueblo cuando la realidad que se imita ya no se corresponde con la realidad aceptada por la mayoría. Desde el concejal de Tammany hasta el pintor de paredes austriaco todos quieren su propia opinión.
La pintura de caballete o de gabinete -la pintura transportable que se cuelga de una pared- es un producto occidental. Subordina lo decorativo al efecto dramático.
Cuando los artistas siguiendo a Manet y los impresionistas allanan esa cavidad de la pared a causa de la estructura decorativa y organizan sus elementos con los términos de planitud y frontalidad, la pintura de caballete comienza a sentirse amenazada.
Fueron Monet y Pisarro los que atacaron la pintura de caballete al aplicar de una manera rigurosa su método de los colores divididos. La consecuencia era un rectángulo cubierto de una pintura de textura muy densa.
Seurat, Cézannne, Van Gogh, Gaughin, Matisse y los fauves contribuyeron a la disminución de la profundidad ilusionística de la pintura de caballete.
Monet y Pisarro anticiparon la pintura all-over, descentralizada, polifónica, que al tejer sobre una superficie numerosos elementos similares se repite sin grandes variaciones de un extremo a otro de la tela y prescinde del inicio, el desarrollo y el término.
Mondrian partió de la fase del cubismo analítico a la que habían llegado Picasso y Braque el año 1912 cuando sus cubos se transformaron como pequeños rectángulos y semicírculos planos que se confundían con el fondo y la tela era elaborada con pequeñas pinceladas de un color uniforme que enfatizaba la superficie al liberarla.
Artistas americanos. Mark Tobey, Jackson Pollock, Arnold Friedman, Rudolf Ray, Ralph Rosenborg, Janet Sobel.
Ensayos de arte de Kurt List y René Leibowitz.
Desde De Chirico el academicismo ha recuperado su prestigio perdido con nuevas versiones vanguardistas como el Surrealismo, la Nueva Objetividad, el Neorromanticismo, el Realismo Mágico y el Realismo Socialista.
Los representantes del arte moderno desde Manet, no siempre terminaron lo que habían comenzado. Los impresionistas y los postimpresionistas, Rodin, Turner, Redon, Monticelli, Courbet y Daumier abandonaron muchos cabos sueltos que han requerido el arreglo de los artistas posteriores. Bonnard y Vuillard terminaron las variaciones del impresionismo. Parte de lo que Rodin plantó se demoró con su crecimiento el tiempo suficiente para que madurara con Maillol, Lehmbruck, Despiau, Kolbe, Lachaise. Matisse llevó a término lo que de Gaughin había sido prematuro; clarificó y ensanchó lo que su visión tenía de nuevo; la hizo menos autoconsciente. Derain, Vlaminck y Segonzak completaron lo que Cézanne, Manet y Corbet habían bosquejado.
Cézanne. La regla clave de la pintura occidental. La ambición de representar de una manera amplia y textual la ilusión de la tercera dimensión. Cézanne había percibido que los impresionistas encenagaban la profundidad pictórica. Pretendió reexcavar esta profundidad sin abandonar el color impresionista. Completa la involuntaria ruptura de Manet con el renacimiento.
Afirmaba que deseaba rehacer a Poussin a partir de la naturaleza y <<transformar el impresionismo como algo sólido y duradero>>. Aspiraba a utilizar el método de composición y el dibujo de los artistas del Renacimiento para aplicarlo al material cromático puro proporcionado con la anotación de la experiencia visual de los impresionistas.
Los pintores del pasado asumían que las articulaciones y las partes de una composición pictórica tenían que ser percibidas como las de la arquitectura. Era conducida a lo largo de un sistema rítmicamente organizado de concavidades y convexidades con numerosas gradaciones de valor simulando profundidad y volumen dispuestas alrededor de destacados centros de atracción.
Cézanne se propuso transformar el método impresionista fundamentado sobre el registro de las variaciones de color puramente ópticas con otro que reflejara las alteraciones de la profundidad y la dirección de los planos a lo largo de las variaciones de color.
Con trazos de pintura autónomos Cézanne registraba cada variación perceptible -o inferida- con la que la superficie de un objeto define la forma de su volumen. Comenzó a cubrir sus telas con un mosaico de pinceladas. El efecto de red conseguido focalizaba la atención sobre el plano pictórico físico como lo hacía el espeso tejido de toques de pincel del impresionismo ortodoxo. Las distorsiones del dibujo de Cézanne provocadas con la exactitud de su visión y con una compulsión aumentada más o menos inconsciente de ajustar la representación de profundidad a la forma bidimensional de la tela contribuyeron a su espontáneo énfasis del plano desprovisto de profundidad.
Rubens y Veronés, los pintores favoritos de Cézanne, <<pintores decorativos>>.
Con sus explicaciones Cézanne no desorientó a Émile Bernard ni a Gasquet.
Cézanne. El menester del modelado y de trasladar al lienzo sus sensaciones espaciales. Explicaba su ideal como un matrimonio del trompe-l´oeil y las reglas del ambiente.
Cézanne condenó a Gaughin y a Van Gogh por pintar demasiado plano.
Matisse era mantenido vivo en Nueva York por Hans Hofmann y Milton Avery.
Las pinturas abstractas del periodo inicial de Kandinsky del museo Solomon Guggenheim de Nueva York.
El Kandinsky de 1910 a 1918 supuso un efecto liberador y estimuló la originalidad de Arshile Gorky.
Matta Echaurren, pintor chileno.
Willem de Kooning, cubista tardío.
Como convención y hábito esperamos que la estructura pictórica se muestre con claroscuros de luz y sombra, lo que denominamos valor.
Los pintores Adolph Gottlieb y Robert Motherwell.
Jackson Pollock era al comienzo un cubista tardío. Mezclaba sugestiones de Hofmann, Masson y la pintura mexicana de Siqueiros.
A Mark Tobey se atribuye el mérito de ser el primer pintor que recurrió a la composición all-over, el mérito de recubrir la superficie del lienzo con el sistema de la repetición de motivos uniformes que semejan desbordarse indefinidamente. Tobey expuso su <<escritura blanca >> el año 1944 en Nueva York.
Las pinturas de Barnett Newman son apreciadas como la reductio ad absurdum del expresionismo abstracto y del arte moderno.
Gorky, "El diario de un seductor", 1945.
Fue Franz Kline, cuya primera exposición se celebró el año 1951, quien utilizó de manera exclusiva el blanco y negro con una sucesión de lienzos con fondos blancos neutros donde solo había una gran imagen caligráfica blanca.
El pintor Tal-Coat.
El experimento de Malévich de su <<blanco sobre blanco>>.
El original Clyfford Still. Simbolismo abstracto con toques primitivos y surrealistas.
Los pictogramas de Gottlieb.
Turner fue el primer pintor que rompe con la tradición europea de la pintura de contraste de valor. Con las imágenes atmosféricas de su ultima fase agrupa las pausas de valor al extremo más luminoso de la escala cromática para obtener efectos pintorescos. Que la pintura de Monet con un uso muy semejante al de Turner tuviera una aceptación similar no debe ser una cuestión accidental. Los colores iridiscentes atraen el gusto.
La pintura de Still aparece influida con el tipo de pintura rancia y prosaica a la que Barnett Newman ha dado el nombre de buckeye, el tipo de pintura más practicada y homogénea del mundo occidental. Se podrían detectar sus comienzos con los óleos de Old Crome y la Escuela de Barbizon. Los pintores buckeye solo crean paisajes y pintan más o menos directamente del natural. Con la acumulación de pintura seca -aunque no propiamente empastada- pretenden percibir el brillo de la luz del día, de manera que el proceso orgánico de la pintura se transforma como una carrera de vehementes sombras y luces cuya consecuencia inevitable es una imagen lívida, seca y agriada con una superficie cálida y quebradiza que intensifica el fuego ácido de los rojos, marrones, verdes y amarillos por lo general predominantes.
Still ha incluido efectos de la pintura buckeye. Estos efectos son visibles con las gastadas hojas muertas que recorren los márgenes y las partes intermedias de sus lienzos, con la alta temperatura uniformemente oscura de su color y con la superficie pintada de una manera reseca y quebradiza (como los pintores buckeye, Still no acepta los pigmentos disueltos). Estos métodos suponen una nueva área de experiencia artística y su liberación del kitsch.
Barnett Newman traza franjas verticales de color o valor débil sobre un trasfondo cálido y plano. El color actúa solo como tono y los claroscuros deben buscarse con la mínima ayuda de las diferencias de valor, saturación y temperatura.
Las tres o cuatro franjas sólidas, horizontales, de colores planos que componen las pinturas de Mark Rothko permiten al espectador reflexionar sobre su paisaje.
El pintor inglés William Scott.
Los predecesores artistas americanos. Alfred Henry Maurer (1868-1932) fue fauvista; Marsden Hartley (1877-1943) neoimpresionista; Arthur Dove (1880-1946), amigo de Alfred Stieglitz, realizó una pintura no representacional; y Charles Demuth (1883-1935) desarrolló un frío y fotográfico estilo industrial. Los nuevos, Ben Shahn, Graves, Bloom, Stuart Davis, Levine, Wyeth.
El pálido equivalente francés del expresionismo abstracto, la pintura de Riopelle, De Stael, Soulages.
El arte realista o naturalista encubría el material y usaba el arte para ocultar el arte. El arte moderno utiliza el arte para llamar la atención respecto del arte. Las limitaciones que constituyen el material de la pintura -la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento- eran realizadas por los autores del pasado como factores negativos que solo podían ser admitidos implícita o indirectamente. La pintura moderna percibió estas limitaciones como factores positivos y las admitió abiertamente. Las telas de Manet son las primeras pinturas modernas a causa de la verosimilitud con la que manifiestan la superficie plana con la que fueron pintadas. Los impresionistas de la estela de Manet renunciaron a las preparaciones previas y a los barnices para que fuera visualmente claro que los colores utilizados estaban hechos con pintura procedente de tubos y potes. Cézanne sacrificaba la verosimilitud o la exactitud con el fin de adaptar su dibujo y composición más explícitamente a la forma rectangular del lienzo.
Fue, sin embargo, el subrayado de la planitud ineluctable de la superficie de la tela lo que contó más que cualquier otro aspecto del proceso orgánico con el que el arte pictórico se definía. Porque solo la planitud era una cualidad exclusiva del arte pictórico. La forma que delimitaba el lienzo era una condición -o regla- restrictiva que era compartida con el teatro; el color era una regla -o un recurso- compartido con el teatro y con la escultura. Puesto que la planitud era la condición que la pintura no compartía con nadie, la pintura moderna se inclinó a la planitud de una manera completamente prioritaria.
Los autores del pasado habían constatado el menester de reservar lo que se denomina la integridad del plano de la tela; indicar por debajo y por encima de la ilusión más verídica del espacio tridimensional la presencia persistente de la planitud. Los artistas modernos no han evitado ni solucionado esta oposición; han invertido los términos. Ante sus creaciones uno toma autoconciencia de la planitud de las pinturas antes y no después de lo que esta planitud contiene.
Los pintores modernos de la ultima época han abandonado las representaciones del tipo de espacio que ocupan los objetos distinguibles. La representación o la ilustración no suponen ninguna merma a la específica unicidad del arte pictórico, sino las cosas representadas.
La tridimensionalidad es el territorio de la escultura. Para conseguir la autonomía la pintura debe despojarse de aquello que pueda compartir con la escultura. Y es con su esfuerzo para conseguirlo y no con el afán de excluir lo representacional o lo literario como la pintura se ha hecho abstracta.
David se enfrentó a Fragonard.
La ilusión escultórica o el trompe-l´oeil.
La elaboración de una pintura significa crear y seleccionar deliberadamente una superficie plana y circunscribirla y limitarla. El arte es una experinecia humana porque las condiciones limitativas del arte son de procedencia humana.
El arte moderno transforma posibilidades teóricas como posibilidades empíricas.
Maxfield Parrish (1870-1966) los años treinta se especializó con paisajes de calendario.
Ilia Repin (1844-1930) fue un miembro destacado de la Sociedad de Pintores Ambulantes los, cuales el ultimo tercio del siglo XIX abogaban por una pintura realista.
Planitud. Flatness.
Colores divididos. Divided tone.
Pintores de Nueva York. Arnol Friedman (1874-1946), Ralph Rosenborg (1913-1992), Janet Sobel (1894-1968).
Émile Bernard, pintor y amigo de Cézanne.
El pintor Maurice Denis.
Seurat, su magnum opus, "La Grande Jatte", Art Institute de Chicago.
Profundidad superficial. Shallow depth.
Gorky se suicidó.
Al aplicar a las pinturas las técnicas del automatismo psíquico surrealista, el pintor francés André Masson (1896-1987) se movió cerca de la abstracción.
Old Crome es el nombre del pintor inglés de paisajes John Crome (1768-1821). Activo en Norwich, Norfolk, se dedicó a la pintura de paisaje inspirándose con la escuela holandesa del siglo XVII.
El pintor abstracto inglés William Scott (1913-1998).
Houghton
La misión de un artista se impone y los demás cooperan hasta ver la vida como él.
Knittel
Fantasía y experiencias artísticas, opuesto a una predisposición puramente científica.
La misión de un artista se impone y los demás cooperan hasta ver la vida como él.
Knittel
Fantasía y experiencias artísticas, opuesto a una predisposición puramente científica.
Cary
Ángeles holandeses de Rubens della Robbia.
La mujercita de mármol que Dodson hizo para Courtauld.
Tarea para Picasso.
Imitó a Constable y dijeron que era un repentista.
Hacia mil ochocientos cincuenta y ocho irrumpió una ola de arte nuevo. Los prerrafaelistas.
Como todo pintor sabe, la cuarta visión suele ser la de la suerte.
Una genuina intuición de la experiencia fundamental de las artes plásticas, de pureza y simplicidad clásicas, o una pintura de desnuda pornografía.
Jóvenes de Burne-Jones y jóvenes de Rosselli.
Una venus de Rubens.
Ojo de pintor.
Un rostro como el de un león de Landseer.
Los dibujos de Blake para el Libro de Job.
Cézanne era el clásico verdadero. El pobre viejo Cézanne anduvo errando por el desierto. La doncella volaba rápidamente, casi no podía atraparla una vez por año. Y se le escurría seguidamente.
Eva, algo femenino, algo que el viejo Cranach tenía.
Blake me llevó a Platón y los dos me llevaron adelante hacia el dibujo blanco y negro y las reglas de composición.
Noche de Constable.
Las ideas no se mantienen, a menos que uno las traduzca como pintura.
Viejas creaciones auténticas. Esculpidas con minuciosidad, con todos los detalles, hasta las arrugas de la planta del pie.
Enseñar cómo ver una pintura. No verlo concretamente. Sentirlo con los ojos. Primero percibir las formas dentro del plano. Los esquemas. Como si fuera una alfombra. Y luego es menester percibirlo conjuntamente. Pero no como si fuera la imagen de alguien. Sino como si fuera un mapa coloreado y con relieve. Se perciben las prominencias, las pendientes, las aristas agudas, los planos y los vacíos, las luces y las sombras, las partes frías y las partes cálidas. Los colores y las texturas. Hay cientos de diferencias pequeñas que están ensambladas.
Una agradable Leda de Nattier.
Blake. Oothoon, la virgen imperecedera.
Las pinturas no tienen valor efectivo. Son un valor del ánimo, una posibilidad de valer. No tienen valor real hasta que son vendidas. Y luego ese valor sigue subiendo o bajando, según el caso.
Pintor John Varley.
Pintores George Romney y George Morland.
Gauguin pintaba muñecas muertas de ojos verdes con un paisaje de lata.
Un enorme cartón de la mejor calidad Bristol cortado por un verdadero experto.
El mejor papel Whatman con un costoso pincel de pelo de camello.
Los aficionados, a menudo. se sienten incapaces de decir si una pintura vale, a menos que lo vean con su bastidor.
Un bloque de piedra Hopton, material decorativo para escultura.
Un bloque de Portland, escultura.
Una verdadera pintura es una flor, un geiser, una fuente; no tiene molde, sino Forma. No tiene rincones y centro, sino un Ser Esencial.
La influencia de un mural de catorce metros por siete es mayor que la de los rayos X. Produce efectos profundos y, a menudo, permanentes sobre el carácter.
Acuarelas con el viejo estilo de aguas coloreadas.
Vahos impresionistas. A la gente le gusta el impresionismo. Porque el impresionismo no maneja ninguna idea. Porque no les pide nada; porque no es más que una sensación agradable, una pequeña canción. Bueno para la sala.
Wilson Steer, Matthew Smith, Utrillo, Matisse, Picasso, Gilbert Spencer, Stanley Spencer, Braque, William Roberts, Wadsworth, Duncan Grant, Frances Hodgkins, Rouault, Epstein.
Manet y Monet no hablaron de sus teorías artísticas hasta que el cielo se puso a llover lágrimas rosadas y la hierba se tornó color púrpura y Pisarro no devastó los árboles hasta transformarlos como pequeños trozos de vidrio.
Cézanne estaba jugando a ceros y cruces como un retratista mercantil de la Real Academia.
El pintor Sandby.
(La boca del caballo)
Priestley
El escultor C. S. Jagger.
Los pintores y escultores con su desorden de materiales e instrumentos se divierten más con sus horas de creación y por eso son más animados como compañeros.
Fromm
El pintor que pinta una tela, el artista y su objeto se tornan uno, se une al mundo con el proceso orgánico de creación.
Potencialidades específicas que pueden no desarrollarse. El talento artístico. Son las semillas que crecen y que se manifiestan si se dan las condiciones apropiadas para su desarrollo y que pueden ahogarse cuando estas faltan.
Fromm
El pintor que pinta una tela, el artista y su objeto se tornan uno, se une al mundo con el proceso orgánico de creación.
Potencialidades específicas que pueden no desarrollarse. El talento artístico. Son las semillas que crecen y que se manifiestan si se dan las condiciones apropiadas para su desarrollo y que pueden ahogarse cuando estas faltan.
Fischer
El año 1874, Claude Monet exhibió una pintura en el Salon des Refugés que tituló "Soleil levant. Impression". El comienzo del impresionismo proviene de este lienzo.
El año 1874, Claude Monet exhibió una pintura en el Salon des Refugés que tituló "Soleil levant. Impression". El comienzo del impresionismo proviene de este lienzo.
Gombrich
Cada creación artística expresa su mensaje a sus contemporáneos con lo que contiene y con lo que declina contener.
Liberación y triunfo que experimenta el artista.
El Arte tiene por esencia que ser un fantasma y un ídolo. Nos atrae lo bello de la Naturaleza. La hermosura de un lienzo no reside realmente con la belleza del asunto. Varían mucho los gustos y las reglas respecto de la belleza.
Propendemos a aceptar colores y formas convencionales como si fuesen exactos. Despojarnos de costumbre y prejuicios.
Las creaciones artísticas no constituyen la consecuencia de alguna misteriosa actividad, son objetos realizados con y para seres humanos.
Los artistas son gente callada, hombres que verían como embarazoso palabras gradilocuentes como Belleza.
Preocupaciones cotidianas del artista. Le preocupa si ha acertado.
Extraña sensación de equilibrar formas y matices. Componer el conjunto acertado, colocar con acierto.
Cuando se reúnen formas o se colocan colores un artista debe ser exagerado o quisquilloso hasta el extremo. Tarea compleja.
Tipo de armonía que cada generación de artistas ha pretendido conseguir.
Grandes creaciones distintas cada vez que se experimentan, inagotables e imprevisibles, inquieto mundo propio con sus particulares y extrañas leyes, aventuras propias. Debemos tener una mente limpia con la aptitud de percibir cualquier indicio y hacerse eco de cualquier armonía oculta; un ánimo con la aptitud de elevarse por encima de todo no enturbiado con palabras altisonantes y frases hechas.
Cualidades de la belleza, expresión y corrección del dibujo.
Historia del arte. Historia de la transformación de las ideas y las exigencias.
Una denominación egipcia de escultor era <<El-que-mantiene-vida>>.
Los propósitos del artista, sus recursos técnicos pueden desarrollarse, evolucionar, pero el arte propiamente apenas puede decirse que progrese según el sentido que progresa la ciencia.
Guido Reni. Pintor de Bolonia. Programa neoclásico o académico de embellecimiento de la naturaleza.
Nicolas Poussin, Claude Lorrain. Emoción de la belleza nostálgica.
Rubens (1577-1640). Aprendió en Italia el arte de componer las figuras de amplia escala y emplear la luz y los colores para incrementar el efecto del conjunto. Pinturas ejecutadas con materiales pictóricos. Gozó de una especie de monopolio dentro de la esfera donde se movió. Fue la época que las tensiones religiosas y sociales de Europa culminaron con la terrible Guerra de los Treinta Años del continente y la guerra de Inglaterra. Rubens alcanzó la posición unica de pintor del campo católico. Se le encargaban delicadas misiones diplomáticas y políticas como llevar a cabo una reconciliación de Inglaterra y España. Permaneció unido con los eruditos de su tiempo manteniendo correspondencia latina de cuestiones arqueológicas y artísticas. "Alegoría de los frutos de la paz", Rubens dio el lienzo como obsequio a Carlos I cuando pretendió inducirle a que hiciera las paces con España. Esta composición opone los beneficios de la paz con los horrores de la guerra. Minerva, la diosa del saber y de las artes, expulsa a Marte, cuya horrible compañera, la Furia bélica, se aleja ya. Bajo la protección de Minerva, las alegorías de la paz se despliegan como símbolos de fecundidad y abundancia; la Paz ofreciendo su pecho a un niño, un fauno viendo gozosamente los espléndidos frutos, los restantes compañeros de Baco, las ménades trayendo oro y riquezas y la pantera jugando apaciblemente como un gato grande; al otro lado tres niños de visión turbada huyendo del terror de la guerra se acogen al regazo de la paz y la abundancia y son coronados por un joven genio. La complacencia con la exuberancia y la agitación de la vida con sus manifestaciones libró a Rubens de transformarse como un mero virtuoso de su arte.
Van Dyck (1599-1641). Discípulo y colaborador de Rubens. Pintor de cámara el año 1632 de Carlos I Estuardo.
Velázquez (1599-1660). Pintor de la corte de Felipe IV.
Pintura de retratos. Franz Hals.
Simon Vlieger. Marinas.
Jan van Goyen. Paisajes.
Rembrandt van Rijn (1606-1669). Abandonó la ciudad universitaria de Leyden por el opulento centro comercial de Amsterdam. Grabador, técnica del aguafuerte. El artista cubre la plancha con barniz y dibuja sobre él con una aguja. Con los trazos de la aguja desaparece el barniz; se sumerge bajo un ácido.
Jan Steen, Jacob van Ruisdael, Willem Kalf, Jan Vermeer van Delft.
Proceso orgánico de ir acumulando más deslumbrantes y nuevas ideas para los edificios y su ornamentación. Desenvolvimiento del barroco.
Francesco Borromini. Iglesia de Sant´Agnese de la Piazza Navona de Roma, 1653. Formas adoptadas renacentistas.
Gian Battista Gaulli.
El siglo XVIII los artistas italianos fueron soberbios decoradores de interiores, famosos a lo largo de Europa por su pericia de los estucos y los grandes frescos. Giovanni Battista Tiepolo, "El banquete de Cleopatra", fresco del Palazzo Labia de Venecia, 1750. Poseen valores menos permanentes que las creaciones más sobrias de épocas anteriores. Sólo una especialización del arte italiano creó nuevas concepciones, la pintura y la grabación de vistas o panoramas. Venecia se desarrolló una escuela de pintores. Francesco Guardi.
El programa político de Luis XIV insertó deliberadamente la ostentación y magnificencia de la realeza. Palacio de Versalles construido por Louis Le Vau y J. Hardouin, de 1655 a 1682.
Belvedere de Viena, diseñado por Hildebrandt, de 1720 a 1724, para un aliado de Marlborough, el príncipe Eugenio de Saboya.
Monasterio austriaco de Melk sobre el Danubio, bosquejado por Prandtauer, 1702. Lo decoraron algunos de los virtuosi italianos ambulantes.
Antoine Watteau. Rococó. Moda de los colores exquisitos y ornamentaciones delicadas, visiones de alegre galantería.
Christopher Wren (1632-1723) reconstruyó las iglesias de Londres tras el incendio del año 1666. La catedral de San Pablo, de 1675 a 1710. Firmeza y estabilidad, contención y sobriedad. Iglesia de San Esteban Walbrook. Palacio de Blenheim, de Marlborough. Residencias campestres <<a la manera de Palladio>>.
Chiswick House de Londres, planificada por lord Burlington y William Kent, 1725, ampliada por James Wyatt, 1788. Edificio dividido entre diversos pabellones y alas. El carácter del país se oponía a los vuelos de la fantasía de los diseños barrocos y a un arte cuya finalidad era producir una impresión abrumadora. Crearon el <<jardín-paisaje>> inglés como acompañamiento ideal de las villas.
William Hogarth (1697-1764). Decidió que para atraer a las personas formadas con la costumbre puritana, el arte debía poseer una utilidad evidente. Concibió una serie de pinturas que enseñaran las recompensas del valor y las consecuencias del pecado. Destacó el carácter de cada personaje con su rostro, vestidos y conducta. Hábito del sermón gráfico de la Edad Media.
Joshua Reynolds (1723-1792). Coincidió con los coleccionistas de su tiempo con que los grandes artistas del Renacimiento italiano eran exponentes sin rival del arte verdadero. Primer presidente de la Real Academia de Arte. "Discursos".
Pintura histórica, labor de la inteligencia. Thomas Gainsborough (1727-1788) se preocupaba menos de la invención que Reynolds. Autodidacta.
Jean Simeon Chardin. Lienzos amables.
Jean-Antoine Houdon. Bustos.
La primera transformación de las ideas se refiere a la actitud del artista respecto a lo que se entiende por estilo.
Alambicados coleccionistas. Horace Walpole, castillo de Strawberry Hill, mansión neogótica, romanticismo, fantástico, extravagancia.
William Chambers estudió el estilo arquitectónico y el arte de los jardines chinos para construir su pagoda china en Kew Gardens.
Un renacer griego culminaría con el periodo de la Regencia (1810-1820). Prosperidad de los balnearios ingleses. Dorset House, Cheltenham; casa de campo de John Soane; Monticello, construido por Thomas Jefferson, estilo neoclásico.
Para impulsar los compradores las academias de París y Londres comenzaron a organizar exposiciones anuales de las creaciones de sus miembros. Acontecimientos sociales constituían el tópico de las conversaciones de la sociedad culta. Súbitamente, los artistas se sintieron libres para escoger como tema desde un escenario shakespeareano a un suceso del momento. Desdén de los temas artísticos habituales, ruptura de las costumbres artísticas europeas.
Jacques Louis David. Artista oficial del poder agitador, diseñó los trajes y decorados para los montajes propagandísticos, como el <<Festival del Ser Supremo>> con el que Robespierre ofició constituyéndose como Sumo Sacerdote.
Goya desdeñó los temas viejos. Brillante colorido; la técnica de la aguatinta permite grabar las líneas y formar manchas.
Nueva dimensión del arte del poeta y místico William Blake (1757-1827). Profundamente religioso, vivió encerrado dentro de su propio mundo desdeñando el arte oficial de las academias y renunciando a aceptar sus reglas. Vivió realizando grabados. Como los artistas medievales, no se preocupó de la perfecta reproducción de las figuras. Fue el primer artista después del Renacimiento que se rebeló conscientemente ante las reglas establecidas.
Pintura de paisajes. Ánimo romántico de fines del XVIII. William Turner y John Constable. Constable pretendió explorar imparcialmente el mundo visible. Turner tuvo visiones de un mundo fantástico bañado de luz y de una belleza refulgente, de una espectacularidad deslumbradora. La Naturaleza trasluce y expresa emociones humanas; nos sentimos pequeños y abrumados ante las fuerzas que no podemos mandar.
Caspar David Friedrich.
El desarrollo industrial comenzó a destruir las costumbres del sólido quehacer artístico; la creación manual dio paso a la producción mecánica, el taller a la factoría. Fue la etapa de la gran expansión de las ciudades de Europa y América, que transformó los campos como áreas de construcción. El negociante o la ciudad que planificó una factoría, una terminal de ferrocarril, una escuela o un museo quisieron tener Arte con la transacción de su dinero.
El Parlamento de Londres. Cuando la vieja Cámara se quemó el año 1834, se organizó un certamen y la decisión del jurado recayó sobre el diseño de Charles Barry (1795-1860), un experto del estilo Renacimiento. Sin embargo, se apreció que las libertades inglesas descansaban sobre los fundamentos de la Edad Media y lo razonable era erigir la sede de la libertad inglesa con el estilo gótico. Punto de vista también unánimemente aceptado cuando la restauración de la Cámara, tras su destrucción con las bombas alemanas fue discutida al terminar la ultima guerra. Consiguientemente Barry tuvo que aceptar el asesoramiento de un experto de los detalles góticos, A. W. N. Pugin.
Un profundo abismo se abrió el siglo XIX con aquellos artistas cuyo temperamento o persuasión les permitían seguir los convencionalismos y satisfacer las demandas del publico y aquellos otros que se preciaban de su aislamiento deliberadamente aceptado. Empeoró las cosas que la agitación industrial y la decadencia del oficio, la aparición de una nueva capa media sin tradición y la producción de creaciones a bajo precio terminaron de desbaratar el gusto del publico.
Por primera vez llegó a ser verdad que el arte era un perfecto material para expresar el sentir singular. Historia de un grupo de hombres solitarios que tuvieron el valor y la perseverancia de opinar y examinar de manera osada las convenciones existentes para abrir horizontes a su arte.
París. Cafés de Montmartre.
Ingres. Alumno y seguidor de David.
Delacroix. Agitador, el color es más importante que el dibujo, la imaginación que la inteligencia.
Agitación de 1848. Grupo de Barbizon. Millet, Courbet. Realismo, disconformidad con la insoportable y teatral ostentación del arte oficial.
Hermandad Prerrafaelista. Giro erróneo del arte con Rafael y el gran estilo. Volver a la época que los artistas eran artesanos fieles, los cuales se esforzaron con copiar la Naturaleza.
Dante Gabriel Rossetti (1828-1882). Hijo de un refugiado italiano, emuló el ánimo de la Edad Media, pretendió plasmar la Naturaleza fielmente como los admirados florentinos del Quattrocento. Artificiosidad.
Manet. Desarrollo de la transcripción de los colores. Si vemos lo natural al aire libre vemos una mezcla de tonos que se combinan con nuestros ojos.
Litografías. Sistema de reproducir dibujos haciéndolos directamente sobre piedra, inventado a comienzos del siglo XIX.
Impresionistas. Monet. Aplicaron sus reglas (la impresión de un momento) al paisaje y los escenarios de la vida real.
Renoir (1841-1919) desea percibir la mezcla de brillantes colores y estudiar el efecto producido con la luz del sol sobre el torbellino de la muchedumbre; abocetamiento, fruto de una gran pericia artística.
La estampa coloreada japonesa. Grabados de madera coloreados. Utamaro y Hokusai.
Degas. ángulos insospechados.
Rodin desdeñó la apariencia superficial del perfeccionamiento.
Disertadores como John Ruskin y William Morris ambicionaron una completa reforma de las artes y los oficios y la sustitución de la producción masiva con el producto manual lleno de sentido.
Art nouveau, 1890. Arquitectura de acero y cristal. Victor Horta, arquitecto belga, artes decorativas. Aubrey Beardsley, dibujos en blanco y negro.
Toulouse-Lautrec, arte del cartel, deliberado desvío de las costumbres occidentales, sentimiento de incomodidad e insatisfacción.
Con el arte basta un problema haya sido resuelto para que otros nuevos aparezcan sustituyéndolo.
Cézanne. El arte no es una cuestión de cálculos. El equilibrio y la armonía no tienen que ver con el equilibrio de las máquinas.
Seurat. Puntillismo.
Van Gogh. Hijo de un vicario, durante su juventud había actuado como predicador laico en Inglaterra y con los mineros belgas. Cartas a su hermano Theo. Empleó las pinceladas aisladas para desmenuzar el color y expresar su propia agitación.
Gauguin. Había sido un empleado de banca acomodado.
La pericia y las experiencias que se habían ido acumulando a lo largo de Europa habían privado a los hombres de la intensidad y fuerza del sentir y la manera espontánea de expresarlo. La solución de Cézanne condujo al cubismo surgido en Francia; la de Van Gogh al expresionismo, que halló representantes en Alemania; y la de Gauguin a las varias formas de primitivismo.
(Historia del Arte)
Ambler
Desfalcos, chantajes, falsificaciones, delitos de la propiedad vinculados con las creaciones artísticas.
Cada creación artística expresa su mensaje a sus contemporáneos con lo que contiene y con lo que declina contener.
Liberación y triunfo que experimenta el artista.
El Arte tiene por esencia que ser un fantasma y un ídolo. Nos atrae lo bello de la Naturaleza. La hermosura de un lienzo no reside realmente con la belleza del asunto. Varían mucho los gustos y las reglas respecto de la belleza.
Propendemos a aceptar colores y formas convencionales como si fuesen exactos. Despojarnos de costumbre y prejuicios.
Las creaciones artísticas no constituyen la consecuencia de alguna misteriosa actividad, son objetos realizados con y para seres humanos.
Los artistas son gente callada, hombres que verían como embarazoso palabras gradilocuentes como Belleza.
Preocupaciones cotidianas del artista. Le preocupa si ha acertado.
Extraña sensación de equilibrar formas y matices. Componer el conjunto acertado, colocar con acierto.
Cuando se reúnen formas o se colocan colores un artista debe ser exagerado o quisquilloso hasta el extremo. Tarea compleja.
Tipo de armonía que cada generación de artistas ha pretendido conseguir.
Grandes creaciones distintas cada vez que se experimentan, inagotables e imprevisibles, inquieto mundo propio con sus particulares y extrañas leyes, aventuras propias. Debemos tener una mente limpia con la aptitud de percibir cualquier indicio y hacerse eco de cualquier armonía oculta; un ánimo con la aptitud de elevarse por encima de todo no enturbiado con palabras altisonantes y frases hechas.
Cualidades de la belleza, expresión y corrección del dibujo.
Historia del arte. Historia de la transformación de las ideas y las exigencias.
Una denominación egipcia de escultor era <<El-que-mantiene-vida>>.
Los propósitos del artista, sus recursos técnicos pueden desarrollarse, evolucionar, pero el arte propiamente apenas puede decirse que progrese según el sentido que progresa la ciencia.
Guido Reni. Pintor de Bolonia. Programa neoclásico o académico de embellecimiento de la naturaleza.
Nicolas Poussin, Claude Lorrain. Emoción de la belleza nostálgica.
Rubens (1577-1640). Aprendió en Italia el arte de componer las figuras de amplia escala y emplear la luz y los colores para incrementar el efecto del conjunto. Pinturas ejecutadas con materiales pictóricos. Gozó de una especie de monopolio dentro de la esfera donde se movió. Fue la época que las tensiones religiosas y sociales de Europa culminaron con la terrible Guerra de los Treinta Años del continente y la guerra de Inglaterra. Rubens alcanzó la posición unica de pintor del campo católico. Se le encargaban delicadas misiones diplomáticas y políticas como llevar a cabo una reconciliación de Inglaterra y España. Permaneció unido con los eruditos de su tiempo manteniendo correspondencia latina de cuestiones arqueológicas y artísticas. "Alegoría de los frutos de la paz", Rubens dio el lienzo como obsequio a Carlos I cuando pretendió inducirle a que hiciera las paces con España. Esta composición opone los beneficios de la paz con los horrores de la guerra. Minerva, la diosa del saber y de las artes, expulsa a Marte, cuya horrible compañera, la Furia bélica, se aleja ya. Bajo la protección de Minerva, las alegorías de la paz se despliegan como símbolos de fecundidad y abundancia; la Paz ofreciendo su pecho a un niño, un fauno viendo gozosamente los espléndidos frutos, los restantes compañeros de Baco, las ménades trayendo oro y riquezas y la pantera jugando apaciblemente como un gato grande; al otro lado tres niños de visión turbada huyendo del terror de la guerra se acogen al regazo de la paz y la abundancia y son coronados por un joven genio. La complacencia con la exuberancia y la agitación de la vida con sus manifestaciones libró a Rubens de transformarse como un mero virtuoso de su arte.
Van Dyck (1599-1641). Discípulo y colaborador de Rubens. Pintor de cámara el año 1632 de Carlos I Estuardo.
Velázquez (1599-1660). Pintor de la corte de Felipe IV.
Pintura de retratos. Franz Hals.
Simon Vlieger. Marinas.
Jan van Goyen. Paisajes.
Rembrandt van Rijn (1606-1669). Abandonó la ciudad universitaria de Leyden por el opulento centro comercial de Amsterdam. Grabador, técnica del aguafuerte. El artista cubre la plancha con barniz y dibuja sobre él con una aguja. Con los trazos de la aguja desaparece el barniz; se sumerge bajo un ácido.
Jan Steen, Jacob van Ruisdael, Willem Kalf, Jan Vermeer van Delft.
Proceso orgánico de ir acumulando más deslumbrantes y nuevas ideas para los edificios y su ornamentación. Desenvolvimiento del barroco.
Francesco Borromini. Iglesia de Sant´Agnese de la Piazza Navona de Roma, 1653. Formas adoptadas renacentistas.
Gian Battista Gaulli.
El siglo XVIII los artistas italianos fueron soberbios decoradores de interiores, famosos a lo largo de Europa por su pericia de los estucos y los grandes frescos. Giovanni Battista Tiepolo, "El banquete de Cleopatra", fresco del Palazzo Labia de Venecia, 1750. Poseen valores menos permanentes que las creaciones más sobrias de épocas anteriores. Sólo una especialización del arte italiano creó nuevas concepciones, la pintura y la grabación de vistas o panoramas. Venecia se desarrolló una escuela de pintores. Francesco Guardi.
El programa político de Luis XIV insertó deliberadamente la ostentación y magnificencia de la realeza. Palacio de Versalles construido por Louis Le Vau y J. Hardouin, de 1655 a 1682.
Belvedere de Viena, diseñado por Hildebrandt, de 1720 a 1724, para un aliado de Marlborough, el príncipe Eugenio de Saboya.
Monasterio austriaco de Melk sobre el Danubio, bosquejado por Prandtauer, 1702. Lo decoraron algunos de los virtuosi italianos ambulantes.
Antoine Watteau. Rococó. Moda de los colores exquisitos y ornamentaciones delicadas, visiones de alegre galantería.
Christopher Wren (1632-1723) reconstruyó las iglesias de Londres tras el incendio del año 1666. La catedral de San Pablo, de 1675 a 1710. Firmeza y estabilidad, contención y sobriedad. Iglesia de San Esteban Walbrook. Palacio de Blenheim, de Marlborough. Residencias campestres <<a la manera de Palladio>>.
Chiswick House de Londres, planificada por lord Burlington y William Kent, 1725, ampliada por James Wyatt, 1788. Edificio dividido entre diversos pabellones y alas. El carácter del país se oponía a los vuelos de la fantasía de los diseños barrocos y a un arte cuya finalidad era producir una impresión abrumadora. Crearon el <<jardín-paisaje>> inglés como acompañamiento ideal de las villas.
William Hogarth (1697-1764). Decidió que para atraer a las personas formadas con la costumbre puritana, el arte debía poseer una utilidad evidente. Concibió una serie de pinturas que enseñaran las recompensas del valor y las consecuencias del pecado. Destacó el carácter de cada personaje con su rostro, vestidos y conducta. Hábito del sermón gráfico de la Edad Media.
Joshua Reynolds (1723-1792). Coincidió con los coleccionistas de su tiempo con que los grandes artistas del Renacimiento italiano eran exponentes sin rival del arte verdadero. Primer presidente de la Real Academia de Arte. "Discursos".
Pintura histórica, labor de la inteligencia. Thomas Gainsborough (1727-1788) se preocupaba menos de la invención que Reynolds. Autodidacta.
Jean Simeon Chardin. Lienzos amables.
Jean-Antoine Houdon. Bustos.
La primera transformación de las ideas se refiere a la actitud del artista respecto a lo que se entiende por estilo.
Alambicados coleccionistas. Horace Walpole, castillo de Strawberry Hill, mansión neogótica, romanticismo, fantástico, extravagancia.
William Chambers estudió el estilo arquitectónico y el arte de los jardines chinos para construir su pagoda china en Kew Gardens.
Un renacer griego culminaría con el periodo de la Regencia (1810-1820). Prosperidad de los balnearios ingleses. Dorset House, Cheltenham; casa de campo de John Soane; Monticello, construido por Thomas Jefferson, estilo neoclásico.
Para impulsar los compradores las academias de París y Londres comenzaron a organizar exposiciones anuales de las creaciones de sus miembros. Acontecimientos sociales constituían el tópico de las conversaciones de la sociedad culta. Súbitamente, los artistas se sintieron libres para escoger como tema desde un escenario shakespeareano a un suceso del momento. Desdén de los temas artísticos habituales, ruptura de las costumbres artísticas europeas.
Jacques Louis David. Artista oficial del poder agitador, diseñó los trajes y decorados para los montajes propagandísticos, como el <<Festival del Ser Supremo>> con el que Robespierre ofició constituyéndose como Sumo Sacerdote.
Goya desdeñó los temas viejos. Brillante colorido; la técnica de la aguatinta permite grabar las líneas y formar manchas.
Nueva dimensión del arte del poeta y místico William Blake (1757-1827). Profundamente religioso, vivió encerrado dentro de su propio mundo desdeñando el arte oficial de las academias y renunciando a aceptar sus reglas. Vivió realizando grabados. Como los artistas medievales, no se preocupó de la perfecta reproducción de las figuras. Fue el primer artista después del Renacimiento que se rebeló conscientemente ante las reglas establecidas.
Pintura de paisajes. Ánimo romántico de fines del XVIII. William Turner y John Constable. Constable pretendió explorar imparcialmente el mundo visible. Turner tuvo visiones de un mundo fantástico bañado de luz y de una belleza refulgente, de una espectacularidad deslumbradora. La Naturaleza trasluce y expresa emociones humanas; nos sentimos pequeños y abrumados ante las fuerzas que no podemos mandar.
Caspar David Friedrich.
El desarrollo industrial comenzó a destruir las costumbres del sólido quehacer artístico; la creación manual dio paso a la producción mecánica, el taller a la factoría. Fue la etapa de la gran expansión de las ciudades de Europa y América, que transformó los campos como áreas de construcción. El negociante o la ciudad que planificó una factoría, una terminal de ferrocarril, una escuela o un museo quisieron tener Arte con la transacción de su dinero.
El Parlamento de Londres. Cuando la vieja Cámara se quemó el año 1834, se organizó un certamen y la decisión del jurado recayó sobre el diseño de Charles Barry (1795-1860), un experto del estilo Renacimiento. Sin embargo, se apreció que las libertades inglesas descansaban sobre los fundamentos de la Edad Media y lo razonable era erigir la sede de la libertad inglesa con el estilo gótico. Punto de vista también unánimemente aceptado cuando la restauración de la Cámara, tras su destrucción con las bombas alemanas fue discutida al terminar la ultima guerra. Consiguientemente Barry tuvo que aceptar el asesoramiento de un experto de los detalles góticos, A. W. N. Pugin.
Un profundo abismo se abrió el siglo XIX con aquellos artistas cuyo temperamento o persuasión les permitían seguir los convencionalismos y satisfacer las demandas del publico y aquellos otros que se preciaban de su aislamiento deliberadamente aceptado. Empeoró las cosas que la agitación industrial y la decadencia del oficio, la aparición de una nueva capa media sin tradición y la producción de creaciones a bajo precio terminaron de desbaratar el gusto del publico.
Por primera vez llegó a ser verdad que el arte era un perfecto material para expresar el sentir singular. Historia de un grupo de hombres solitarios que tuvieron el valor y la perseverancia de opinar y examinar de manera osada las convenciones existentes para abrir horizontes a su arte.
París. Cafés de Montmartre.
Ingres. Alumno y seguidor de David.
Delacroix. Agitador, el color es más importante que el dibujo, la imaginación que la inteligencia.
Agitación de 1848. Grupo de Barbizon. Millet, Courbet. Realismo, disconformidad con la insoportable y teatral ostentación del arte oficial.
Hermandad Prerrafaelista. Giro erróneo del arte con Rafael y el gran estilo. Volver a la época que los artistas eran artesanos fieles, los cuales se esforzaron con copiar la Naturaleza.
Dante Gabriel Rossetti (1828-1882). Hijo de un refugiado italiano, emuló el ánimo de la Edad Media, pretendió plasmar la Naturaleza fielmente como los admirados florentinos del Quattrocento. Artificiosidad.
Manet. Desarrollo de la transcripción de los colores. Si vemos lo natural al aire libre vemos una mezcla de tonos que se combinan con nuestros ojos.
Litografías. Sistema de reproducir dibujos haciéndolos directamente sobre piedra, inventado a comienzos del siglo XIX.
Impresionistas. Monet. Aplicaron sus reglas (la impresión de un momento) al paisaje y los escenarios de la vida real.
Renoir (1841-1919) desea percibir la mezcla de brillantes colores y estudiar el efecto producido con la luz del sol sobre el torbellino de la muchedumbre; abocetamiento, fruto de una gran pericia artística.
La estampa coloreada japonesa. Grabados de madera coloreados. Utamaro y Hokusai.
Degas. ángulos insospechados.
Rodin desdeñó la apariencia superficial del perfeccionamiento.
Disertadores como John Ruskin y William Morris ambicionaron una completa reforma de las artes y los oficios y la sustitución de la producción masiva con el producto manual lleno de sentido.
Art nouveau, 1890. Arquitectura de acero y cristal. Victor Horta, arquitecto belga, artes decorativas. Aubrey Beardsley, dibujos en blanco y negro.
Toulouse-Lautrec, arte del cartel, deliberado desvío de las costumbres occidentales, sentimiento de incomodidad e insatisfacción.
Con el arte basta un problema haya sido resuelto para que otros nuevos aparezcan sustituyéndolo.
Cézanne. El arte no es una cuestión de cálculos. El equilibrio y la armonía no tienen que ver con el equilibrio de las máquinas.
Seurat. Puntillismo.
Van Gogh. Hijo de un vicario, durante su juventud había actuado como predicador laico en Inglaterra y con los mineros belgas. Cartas a su hermano Theo. Empleó las pinceladas aisladas para desmenuzar el color y expresar su propia agitación.
Gauguin. Había sido un empleado de banca acomodado.
La pericia y las experiencias que se habían ido acumulando a lo largo de Europa habían privado a los hombres de la intensidad y fuerza del sentir y la manera espontánea de expresarlo. La solución de Cézanne condujo al cubismo surgido en Francia; la de Van Gogh al expresionismo, que halló representantes en Alemania; y la de Gauguin a las varias formas de primitivismo.
(Historia del Arte)
Ambler
Desfalcos, chantajes, falsificaciones, delitos de la propiedad vinculados con las creaciones artísticas.
Williams
"Nave nave mahana", la pintura de las que Gauguin pintó en Tahití, significa "Días despreocupados".
Kuniyoshi, pintor japonés.
Labin
Estampa T´ang.
Vieja estampa a la aguada del estilo Song.
Hábito chino. La estampa y el ballet.
Hadley Chase
Busto de Júpiter del Vaticano.
Escultura de David por Bernini, Bargello, Florencia.
Hadley Chase
Busto de Júpiter del Vaticano.
Escultura de David por Bernini, Bargello, Florencia.
Vian
Los labios inocentes de los artistas.
Gilson
Cuando comprobamos un arreglo debido al arte inducimos la existencia de un artífice razón suficiente de ese arreglo.
Admiramos del artista la actualidad que rebosa de su ser que con los actos y las creaciones que engendra comunica a un mundo de seres menores sorprendidos de percibirlos.
Todos los lienzos de Rembrandt son retratos de Rembrandt pintados por él aunque puedan representar el "Ecce Homo", "El filósofo meditabundo" o "Los Peregrinos de Emaus".
Eliade
El artista insuperable, admirado y adulado.
Aceptar la tragedia como la manera de la existencia digna de un artista obsequiado con muchas muertes.
El arte, el genio lúdico.
Una imaginación enfermiza. Un artista joven y culto inventando las obsesiones del terror.
Un artista no envejece. Imagina los recuerdos. Primero los imagina y luego los fija a la memoria.
La iconografía es una actividad creadora con la que el artista no tiene ninguna iniciativa, utiliza los problemas y las soluciones hace mucho formuladas, se somete a un establecido canon hierático y se abstiene de expresar sus emociones personales o la belleza natural. Es lo que llamamos arte ortodoxo o clásico (shastrîya), el arte que crea modelos anímicos, imágenes que tienen que ser interiorizadas a través de la meditación y cuya acción conduce a un sentimiento de pacificación y de plenitud.
Highsmith
Departamento. Horrible pequeño mundo artístico.
Elocuencia que semejaba innata de los arquitectos, aditamento natural de la profesión porque se debía hacer el camino persuadiendo.
Dibujos de despezo.
Blanco y curvado puente de Maillart que figuraba en los libros de arquitectura.
(Extraños en el tren)
Arlès, lugares pintados por Van Gogh.
(A pleno sol)
Arte, fruto de las emociones recogidas de la tranquilidad .
(El juego de los vivos)
Arlès, lugares pintados por Van Gogh.
(A pleno sol)
Arte, fruto de las emociones recogidas de la tranquilidad .
(El juego de los vivos)
Reflejaba una actitud cálida por parte del pintor.
Rembrandt. Placer.
Picasso. Los cuadros eran para hacer la guerra.
Vuillard y Bonnard. Acogedores.
Sombras gris oscuro, dibujo a la aguada.
Centre Pompidou o Beaubourg, estructura azul pálido, semejaba hecha con tubos de caucho, demasiado nueva.
Emil Nolde, "Baile ante el becerro de oro".
Retratos de Otto Dix. "Tres prostitutas en la calle".
Pinturas de Beckmann.
Presencia y consejo para una transacción artística.
Charlottenburg. Museos de arqueología y pintura.
"El diario de Edith Holden".
Equipos para pintar al óleo.
Técnica de los cuadros.
Siempre había pintado lo que la imaginación le sentenciaba.
Arts Review.
Pintura de formato regular, sesenta por noventa cm.
Puro violeta cobalto.
Mezcla de rojo cadmio y ultramar.
Un pintor no suele volver a utilizar un color que ya ha desechado.
Color sutil de lavándula.
Diferencia de un color simple y una mezcla.
Cuando un pintor escoge un color o unos colores nuevos suele hacerlo porque se lo inspira su subconsciente.
El estilo de un artista es su verdad, su honradez.
Según el talento artístico.
Escultura del Galo moribundo.
Comentarios de arte. Conceptos espaciales, valores plásticos.
Greene
Titanes de Hofburg manteniendo el equilibrio de grandes globos sobre la cabeza.
Una atroz oleografía.
Una atroz oleografía.
Ashdown
Ilustración de "La Tumba", de Blake.
Vlásenko
"La novena ola", lienzo de Aivazovski.
Peské
Un castillo construido con el estilo jacobino de hacia 1625, que expresaba con esplendor el Renacimiento.
Desesperaciones de artista semejantes a las desesperaciones de un amante despechado o de un niño mimado, insensata obstinación, mirada ausente, ojos vaciados y actitud extraviada.
Para un artista la desdicha no puede calcularse.
Un pintor que pretende plasmar un paisaje, una expresión.
Von Doreder
La sensación del valor total no sujeto ya a vacilaciones de un objeto de arte.
Las realizaciones artísticas casi perfectas se forman algunas ocasiones de improviso y casi propiamente bajo el impulso y los tirones de la vida. Es verosímil que después se disipan también con rapidez.
Febvre
Museos de Maguncia, Colonia y Bonn.
W. Golding
Los huérfanos son víctimas de la Naturaleza y el arte es su recurso e ilusión.
Waugh
Las majestuosas fachadas de las casas incendiadas de la Irlanda sureña, los capiteles y frontones sobredimensionados que permanecen cuando una verdadera experiencia humana toca a su fin.
Febvre
Museos de Maguncia, Colonia y Bonn.
W. Golding
Los huérfanos son víctimas de la Naturaleza y el arte es su recurso e ilusión.
Waugh
Las majestuosas fachadas de las casas incendiadas de la Irlanda sureña, los capiteles y frontones sobredimensionados que permanecen cuando una verdadera experiencia humana toca a su fin.
Una casa, una soberbia creación de Nicholas Hawksmoor.
Las mayestáticas curvas de la gran escalinata.
El estucado de la época de la Regencia de una bonita fachada de Nash.
Del tedioso tráfico de sedas vegetales y literatura subversiva al reino de la aventura; una ocasión de esas que habrían podido inspirar los escenarios de la selva que pintó Rousseau.
Un mármol de Elgin.
Las mayestáticas curvas de la gran escalinata.
El estucado de la época de la Regencia de una bonita fachada de Nash.
Del tedioso tráfico de sedas vegetales y literatura subversiva al reino de la aventura; una ocasión de esas que habrían podido inspirar los escenarios de la selva que pintó Rousseau.
Un mármol de Elgin.
Todo el argumento de la Forma Significante se aguanta o se derrumba por el volumen. Si aceptas que Cézanne representa una tercera dimensión con sus lienzos bidimensionales, entonces tienes que admitir el destello de lealtad de los ojos del perro de Landseer.
Clive Bell, "Arte".
Lápiz de dibujo conté.
Papel de dibujo Whatman H.P.
Habituándose a la perversidad como un paje de Hogarth.
Logré plasmar el modelo gracias a algunas sabias omisiones y astutos trucos consiguiendo un eco nada desdeñable de Piranesi.
Moldes de yeso tomados del original del Ashmolean Museum.
Pequeñas tabernas al estilo de Hogarth.
Un pintor arquitectónico.
Los edificios que envejecían silenciosos al paso de los siglos, que atraían y guardaban lo mejor de cada generación dando tiempo a que el orgullo del artista y la vulgaridad del filisteo quedaran suavizados, enmendando la tarea burda del constructor descuidado.
Y para colmo con aficiones artísticas.
La habitación tenía un aspecto hogarthiano; la mesa puesta cerca de la grotesca chimenea, la chinoiserie y el viejo nimbado de almohadas que le aguantaban erguido sorbiendo champagne.
Du Maurier
Pinturas de Peter Lely.
Pintor Kneller, madonna de Furini.
Lévi-Strauss
Todo arte impone una forma a una materia.
Baum
El Museo Kaiser Friedrich.
Esperar realizar los deseos irrealizables con las pinturas de un museo.
Irish
El verdadero arte es muy sencillo.
Ver una pintura con más atención de la que merecía.
El perfil de un camafeo o la cabeza de una escultura no provocan emoción más que un abstracto sentido artístico.
Monod
Artefactos. Productos del arte, de la industria.
Monod
Artefactos. Productos del arte, de la industria.
E. H. Carr
Pintor Guiaud.
Bromfield
Pintor Romney.
Desnudos de Boucher.
Tirard
Greuze pintaba a su esposa incansablemente.
Greuze pintaba a su esposa incansablemente.
Daninos
Un lienzo de Peter Scott.
A. Wilson
Generosa imprevisión que caracteriza a los que viven el mundo del arte.
Carácter infantil y despreocupado de los artistas.
"Volpone", de Beardsley.
"Ofelia", de Millais, la mala suerte que había tenido la modelo original que posó para el pintor.
Quinton
Hay algo que distingue a David de Delacroix. El Romanticismo es un racimo de actitudes y preferencias.
Quinton
Hay algo que distingue a David de Delacroix. El Romanticismo es un racimo de actitudes y preferencias.
Thurstone
Los instintos de amor y odio, del cual surgen el arte y la ciencia.
Lampedusa
Diseño de la escalinata de Marvnglia, salones decorados por Serenario.
Greuze, "La muerte del justo".
Ilustraciones de Norvins.
Succhi d´erbe. Juegos de hierba, tintes vegetales empleados para la pintura de lienzos similares a los tapices.
Marcos de piedra de Toscana.
Ilustraciones de Norvins.
Succhi d´erbe. Juegos de hierba, tintes vegetales empleados para la pintura de lienzos similares a los tapices.
Marcos de piedra de Toscana.
Calvino
La abstracción social del vestido, símbolo de un papel impersonal como el chapeado de una escultura alegórica.
Una expresión fija y casi irónica de una escultura.
Duby
Lord Elgin restauró el Partenón.
Restaurar. Limpiar, destruir los añadidos, borrar los retoques, las pintadas, volver el fragmento a su condición primitiva, no enmascarar las incurias del tiempo, aplicarse a subrayar los desgarrones.
Tiempo de Thorvaldsen. Urbanismo de la arcada, el pórtico, la cornisa.
Cipolla
Los hechos son como las teselas de un mosaico. Solos no dicen nada. Se precisa una teoría que los una como un conjunto significativo.
Duby
Lord Elgin restauró el Partenón.
Restaurar. Limpiar, destruir los añadidos, borrar los retoques, las pintadas, volver el fragmento a su condición primitiva, no enmascarar las incurias del tiempo, aplicarse a subrayar los desgarrones.
Tiempo de Thorvaldsen. Urbanismo de la arcada, el pórtico, la cornisa.
Cipolla
Los hechos son como las teselas de un mosaico. Solos no dicen nada. Se precisa una teoría que los una como un conjunto significativo.
Amis
Crear pinturas tout court o como dirían nuestros primos americanos pinturas y punto.
El glamour que se supone al mundo del arte.
La contribución del poder político a mantener vivas las artes.
Alguna suerte de capricho arquitectónico.
Con el arte infantil uno encuentra lo que podemos llamar <<claridad de visión>>, una representación del mundo como se nos presenta y no como el adulto sabe que sea.
Las explicaciones de alguna cuestión artística.
La clave del arte mexicano. Las técnicas primitivas no esconden ningún valor per se.
Ínfulas artísticas.
La expresión <<valores tonales en contrapunto>>.
Ínfulas de gran artista.
La labor de un artista le exige mucho por cuanto a la demostración de sentimientos, emociones. No le quedan fuerzas para los demás. Y un artista tiene menesteres especiales y corresponde a terceros proporcionárselos según sus posibilidades y sin hacer demasiadas preguntas.
Modales refinados de alta alcurnia y estúpida cháchara artística.
La clave del arte infantil.
Manifestarse frente la falsa arquitectura.
Caricaturizar al carboncillo o con tinta china.
El veredicto sobre las pinturas.
Bellow
El <<Sembrador>> de Millet sacaba las semillas de un saco lleno.
La triste lobreguez de una pintura flamenca.
La cartilaginosa nariz tipo Rembrandt, una calabaza con pelos blancos y puntillado de pólvora.
El presunto juego del estudio y la amistad de los artistas.
La gente si tiene dones para la arquitectura, desea coordinar una escuela o dedicarse a la pintura abstracta o a cualquier otra vocación es un tener que demostrar suficiencia plena en algun campo: un ensueño monstruoso.
Anotar todo con precisión de artista.
Lersch
El arte hace transparentarse la idea con la imagen intuitiva y sensible.
Interioridad, centro íntimo, nuestro yo. La reverencia, el amor, la piedad, la emoción artística, el asombro metafísico.
Las creaciones de verdadero arte obligan al recogimiento.
Se ha apreciado como la nota distintiva de una creación artística el que no forma parte de una estructura de referencias como un objeto de uso y las cosas que ayudan a los fines humanos, sino que representa un todo terminado, independiente y significativo.
Hegel. Una creación artística verdaderamente poética es un organismo infinito, lleno de unidad y con cada uno de los diversos elementos particulares que la componen resplandece una idéntica independencia que sin propósito aparente hace del todo un conjunto rotundo y refinado.
Idénticamente a como una creación artística todos los elementos que la integran se hallan agrupados a un centro vivo y es una expresión de todo el ser interior del artista que la crea, a quien la experimenta le aparta del extravío del numeroso actuar externo y le devuelve al centro de su ser desde el que puede ver un todo. También es un organismo vivo. El arte rompe la monotonía insípida de un mundo despoetizado de objetos, realidades y disposiciones de cosas inexpresivas y rígidas con la muda inexpresión del concepto y nos enseña de nuevo a ver imágenes y símbolos con cuyo material nos comunica lo vivo.
Barthes
El arte occidental transforma la impresión como descripción.
Lersch
El arte hace transparentarse la idea con la imagen intuitiva y sensible.
Interioridad, centro íntimo, nuestro yo. La reverencia, el amor, la piedad, la emoción artística, el asombro metafísico.
Las creaciones de verdadero arte obligan al recogimiento.
Se ha apreciado como la nota distintiva de una creación artística el que no forma parte de una estructura de referencias como un objeto de uso y las cosas que ayudan a los fines humanos, sino que representa un todo terminado, independiente y significativo.
Hegel. Una creación artística verdaderamente poética es un organismo infinito, lleno de unidad y con cada uno de los diversos elementos particulares que la componen resplandece una idéntica independencia que sin propósito aparente hace del todo un conjunto rotundo y refinado.
Idénticamente a como una creación artística todos los elementos que la integran se hallan agrupados a un centro vivo y es una expresión de todo el ser interior del artista que la crea, a quien la experimenta le aparta del extravío del numeroso actuar externo y le devuelve al centro de su ser desde el que puede ver un todo. También es un organismo vivo. El arte rompe la monotonía insípida de un mundo despoetizado de objetos, realidades y disposiciones de cosas inexpresivas y rígidas con la muda inexpresión del concepto y nos enseña de nuevo a ver imágenes y símbolos con cuyo material nos comunica lo vivo.
Barthes
El arte occidental transforma la impresión como descripción.
Jagot
La rigidez del maniquí de los pintores.
Kamenka
El arte no se puede crear obedeciendo planes impuestos desde afuera, no sabe de dominios ni de disciplina.
Kamenka
El arte no se puede crear obedeciendo planes impuestos desde afuera, no sabe de dominios ni de disciplina.
Robbe-Grillet
Objetos de los anticuarios del siglo pasado que la moral occidental concibe como monstruosos.
Abbagnano
La Arquitectónica es el arte de construir por cuanto supone la aptitud de subordinar los materiales al fin y el fin menos importante al importante. El objeto del arte es solo lo posible que representa el objeto de producción. Según este sentido la arquitectura es un arte y el arte se define como el hábito de producir una cosa acompañado de la razón. Plotino distingue la arquitectura y las artes análogas que tienen su término con la fabricación de un objeto, de las que se limitan a ayudar a la naturaleza como la medicina y la agricultura y de las artes prácticas, la retórica y la música, que tienden a actuar sobre los hombres haciéndolos mejores o peores.
Barroco se deriva de barocchio, que era una especie de estafa o fraude de Florencia. Tal es el origen de la palabra de una carta de Magliabechi, 1688.
Aristóteles. El ser humano construye porque es constructor, pero es constructor por el arte de construir; este arte representa la causa superior.
Hegel. Lo clásico se define con la unificación del contenido ideal y la forma sensible. El ideal del arte encuentra con el arte clásico su realización. La forma sensible ha sido transfigurada, sustraída a la finitud y conformada a la infinitud del Concepto. Con el arte clásico la Idea infinita ha encontrado la forma ideal para expresarse, la figura humana. El defecto del arte clásico es ser arte como totalidad, pero nada más.
Aristóteles. La actividad productiva tiene su origen con la mente o con la pericia del artista y la actividad práctica con la decisión del que actúa.
Hegel eliminó las teorías con las que la finalidad del arte fuera imitativo o expresión o perfeccionamiento moral, para insistir respecto de que la finalidad del arte sea la educación de la verdad a lo largo de la forma sensible. Pero el deber del arte es producir la muerte del arte.
Kant hizo uso del concepto de expresión para la catalogación de las bellas artes. Para el arte la idea puede ser ocasionada con un concepto. Y ya que esta especie de expresión significa la palabra, el gesto y el tono, Kant distingue las artes de la palabra, las artes figurativas y las artes del bello juego (música).
El arte es expresión porque los instrumentos comunicativos adquieren su valor ultimo.
Finito. Lo que ha sido llevado a término cumplido y perfecto. Una creación artística finita, para significar una realización cuidada que se ha llevado a fondo o una creación llevada a su forma perfecta.
Algunas ocasiones el recurso o apelación a la forma expresa la exigencia de autonomía de un procedimiento o de una técnica específica. Este es el significado de la insistencia respecto del carácter formal del arte.
Sensibilidad artística.
Sentido artístico.
La propuesta de un significado pictórico o imaginativo al lado de los otros. Aldrich.
Sujeto. La materia de la que se compone una cosa, el bronce. La forma de la cosa, el diseño de una escultura. La unión de material y forma, la escultura.
Técnica. Arte. Contiene todo conjunto de reglas aptas para dirigir eficazmente una actividad.
Como talento, el genio rehúye la regla, pero como creador se distingue de la extravagancia. Es naturaleza porque no actúa racionalmente y es naturaleza que da regla al arte. Kant.
Aristóteles vio con la producción la tarea propia del arte, distinguiéndola de la acción y del saber. "El arte concierne a la generación y busca los instrumentos técnicos y teóricos para producir una cosa que podría ser o no ser y cuyo origen reside con el que la produce y no con el objeto producido".
Platón. La opinión creída pero no certificada (pistis) tiene como objeto las cosas naturales, los seres vivos, los objetos de arte.
Hume. Un retrato conduce naturalmente nuestras reflexiones a su original (semejanza).
Magee
Los artistas tienden a dividir las creaciones como periodos.
Thompson
El año 1820 se encontró con un candado a la boca el <<inglés nacido libre>> de George Cruikshank.
Los polos antitéticos de la guerra y la educación han sido expresados con el arte y la poesía utilizando persuasivas imágenes sexuales; la oposición de Marte y la Virgen.
Fo
La sinopia es el esbozo que precede a un fresco. Una vez arrancado el fresco que para restaurarlo ha salido a la luz es el esbozo.
Fo
La sinopia es el esbozo que precede a un fresco. Una vez arrancado el fresco que para restaurarlo ha salido a la luz es el esbozo.
Yevtushenko
Pechugona joven de Delacroix.
Pintores zaristas. Leviatán, Poliénov, Serov, Riepin, Svrásov.
Eco
Plantear el problema de una dialéctica de la forma y la apertura, de definir los límites dentro de los cuales una creación pueda plasmar la máxima ambigüedad y depender de la actuación del consumidor sin abandonar ser una creación. Entiendo como creación un objeto dotado de propiedades estructurales definidas que permitan pero coordinen la alternativa de las interpretaciones, el desplazamiento de las perspectivas.
Una verosímil referencia de la creación y el usuario, el momento de una dialéctica de la estructura del objeto como sistema fijo de referencias y la réplica del consumidor como inclusión libre y recapitulación activa de aquel sistema
Hablaremos de la creación como de una forma, un todo orgánico que nace de la fusión de diferentes niveles de experiencia precedente; ideas, emociones, disposiciones de actuar, materias, módulos de organización, temas, argumentos estilemas fijados y actos de invención. Una forma es una creación conseguida; el punto de llegada de una producción y el punto de partida de un consumo que al articularse vuelve a dar vida a la forma inicial desde diferentes perspectivas. Una estructura es una forma como sistema de referencias de sus diferentes niveles (semántico, sintáctico, físico, emotivo; nivel de los temas y nivel de los contenidos ideológicos; nivel de las referencias estructurales y de la réplica estructurada del receptor).
La acción del arte y de los artistas (de las estructuras formales y de los programas poéticos que las rigen) ante la provocación del Azar, de lo Indeterminado, de lo Probable, de lo Ambiguo, de lo Plurivalente; la acción de la sensibilidad contemporánea como réplica de las sugestiones de la matemática, de la biología, de la física, de la psicología y del nuevo horizonte epistemológico que estas ciencias han abierto.
Vitrubio distingue la simetría y la euritmia y entiende esta ultima como adecuación de las proporciones imparciales a las exigencias internas de la visión.
El Barroco niega la definición estática e inequívoca de la forma clásica del Renacimiento, del espacio desarrollado en torno a un eje central delimitado con líneas simétricas y ángulos cerrados que convergen al centro de manera que más sugiere una idea de eternidad esencial que de movimiento. La forma barroca es dinámica, tiende a una indeterminación de efecto (con su juego de llenos y vacíos, de luz y oscuridad, con sus curvas, sus líneas quebradas, sus ángulos de las inclinaciones más diversas) y sugiere una dilatación progresiva del espacio; la búsqueda de lo móvil y lo ilusorio hace de manera que las masas plásticas barrocas nunca permitan una visión privilegiada frontal, definida, sino que induzcan a mudar la posición. Si el ánimo barroco se ve como la primera manifestación de la experiencia y de la sensibilidad moderna es porque la vez primera el ser humano se sustrae a la costumbre del canon (garantizada con la organización cósmica y la armonía de las esencias) y se encuentra frente un mundo en movimiento que requiere actos de invención.
Representar los momentos sucesivos del desarrollo, la técnica del tímpano del portal de Souillac con la historia del clérigo Teófilo o la Tapisserie de la Reine Mathilde de Bayeux, una verdadera filmación de numerosos fotogramas yuxtapuestos.
Las teselas de un mosaico.
Verosímiles operaciones del arte semejan muy alejadas de nuestro mundo específico y definitivamente laboran para proveernos de unas categorías imaginativas que permitan movernos dentro de este mundo.
La arquitectura es el arte que más se esfuerza para reproducir con su ritmo la armonía del universo que antaño llamaban kosmos, adorno, gran animal con el que resplandece la perfección y la proporción de todos sus miembros.
Una pura y lánguida adultera prerrafaelita.
Gótico flamígero, arcos conopiales.
Grass
Azul de Prusia.
Un verdadero artista permanece de cualquier manera descontento, si no insatisfecho.
Un artista prominente.
Marmolista. Cinceles para desbastar, buriles con mango de madera, hierros dentados reforjados, largos raspadores con muelles para el mármol, pasta de esmeril, el mazo, la gubia, la escuadra, guiar los punzones con la regla.
Pantógrafo de tres patas para los diseños de escultura.
Afinado bruto, pulido, dentellado, escuadrado de una superficie con dos reglas, trazado de los cuatro bordes y biselado.
Los sesenta y cuatro dientes del martillo de afinar.
Parte ornamental de la escultura. Rosas tronchadas para las lápidas infantiles, ranuras, listones, óvalos, cordones y cordones dobles.
El arte es acusación, expresión, pasión. El arte es como el carboncillo negro que se hace polvo sobre el papel blanco.
Los escultores han de arreglárselas sin escenario.
Trazos de carboncillo furioso y negro como la noche.
Armazones de esculturas.
Tonos macabramente azules, de putrefacción, verde agónico, amarillo bilioso.
De forma seca y sin decir palabra como gusta hacer a los pintores de talento.
Un detalle de fina pincelada o con el color simplemente echado sobre la tela con espátula genial.
Grass
Azul de Prusia.
Un verdadero artista permanece de cualquier manera descontento, si no insatisfecho.
Un artista prominente.
Marmolista. Cinceles para desbastar, buriles con mango de madera, hierros dentados reforjados, largos raspadores con muelles para el mármol, pasta de esmeril, el mazo, la gubia, la escuadra, guiar los punzones con la regla.
Pantógrafo de tres patas para los diseños de escultura.
Afinado bruto, pulido, dentellado, escuadrado de una superficie con dos reglas, trazado de los cuatro bordes y biselado.
Los sesenta y cuatro dientes del martillo de afinar.
Parte ornamental de la escultura. Rosas tronchadas para las lápidas infantiles, ranuras, listones, óvalos, cordones y cordones dobles.
El arte es acusación, expresión, pasión. El arte es como el carboncillo negro que se hace polvo sobre el papel blanco.
Los escultores han de arreglárselas sin escenario.
Trazos de carboncillo furioso y negro como la noche.
Armazones de esculturas.
Tonos macabramente azules, de putrefacción, verde agónico, amarillo bilioso.
De forma seca y sin decir palabra como gusta hacer a los pintores de talento.
Un detalle de fina pincelada o con el color simplemente echado sobre la tela con espátula genial.
Burgess
Dorados del viejo Blackpool.
Aymard
Una partida de cartas, lienzo de Cézanne.
Sagan
Retrato. Tipo.
Daniel
Coleccionistas. Conde Arundel, duque de Buckingham, Carlos I; John Tradescant, jardinero de la reina Enriqueta María, el núcleo del Ashmolean Museum lo constituyó su armario de curiosidades o arca de Tradescant.
A la edad y a los coleccionistas se debe el término dilettanti, los que se deleitaban con las artes.
Fast
Reflejo artístico.
Fleming
Fachada blanca de tablas y estuco estilo Regencia.
Dorados del viejo Blackpool.
Aymard
Una partida de cartas, lienzo de Cézanne.
Sagan
Retrato. Tipo.
Daniel
Coleccionistas. Conde Arundel, duque de Buckingham, Carlos I; John Tradescant, jardinero de la reina Enriqueta María, el núcleo del Ashmolean Museum lo constituyó su armario de curiosidades o arca de Tradescant.
A la edad y a los coleccionistas se debe el término dilettanti, los que se deleitaban con las artes.
Fast
Reflejo artístico.
Fleming
Fachada blanca de tablas y estuco estilo Regencia.
George
Arquietectos, A. Perret, M. Le Corbusier.
Guimard
Las casas son las más perecederas de las cosas humanas, un instante de indiferencia las encamina hacia la decrepitud y el caos.
Plath
Antítesis de la naturaleza y el arte.
Una casa construida con el excelente estilo del siglo diecinueve.
Una casa construida con el excelente estilo del siglo diecinueve.
MacAvoy
Edificios de arenisca roja española.
Vidriera victoriana.
Un grabado de Escher.
Hastial. Parte superior triangular de un muro situada entre las dos vertientes del tejado.
Gran cabeza dorada y erizada como la de una bandeja azteca.
Nooteboom
El famoso arquitecto inglés Inigo.
Las pinturas escocesas.
Un retrato patricio con el cargo de regente.
La rembrandtiana "Lección de anatomía del profesor Tulp" con su paciente muerto, con el profesor y el pintor.
Un dibujo de Roghman.
El sereno mundo de los objetos de arte que manifiestan el genio y el poder creador y con el que el dinero viene mucho después de la experiencia, el amor y la pasión coleccionista y los sacrificios y la insensata irracionalidad inherente.
Infinidad de dibujos que constituían el corazón de la colección altamente especializada.
Niel es actuar sobre esmalte negro. De aquí el nombre de la técnica.
"Early Italian Engravings from the National Gallery of Art".
"Les marques de collections de dessins et d´estampes", Frits Lugt, Amsterdam, 1921, un rico que invirtió su dinero como tiempo, la quintaesencia de la alquimia, unos kilos de amor compacto, paciencia sin límites, experiencias vastísimas y profundas.
Freiherr C. Rolas du Rosey (1862), general prusiano de Dresde, coleccionista de arte.
Una xilografía del periodo ukyo. La vida fluyente, un origen de la historia del arte japonés.
Uno de los grandes, Utamaro. Un retrato de mujer. Del gran plano de tintes claros del rostro no había ni una sombra, ni un matiz. Sensual lo era, pero remota, intocable. La boca menuda al extremo estaba un poquito abierta; los ojos sin pestañas eran también muy pequeños y no expresaban nada y la nariz no era más que una línea curvada. El plano de la cara corría hasta el escote sin ninguna transformación de color apuntando la turgencia del seno derecho con una línea mínima curiosamente a la izquierda de la parte inferior del grabado. La manera que el verde kimono se inflaba arriba y delante por el hombro izquierdo no era natural, solo que el flotar tenía una fuerza indefinible pero verosímilmente dramática.
Ver las manchas de color como tales manchas de color.
El arte se está transformando como un objeto de inversión y el oficio pierde su encanto.
A los entendidos y coleccionistas apasionados les hacen la pascua los inversionistas.
Viejos Budas del museo de Ayuthia.
La misteriosa ley que manda que a su muerte el artista se transforme según su creación.
Rembrandt y Jan Lievens aprendieron de Pieter Lastman.
Gerrit Dou, alumno de Rembrandt.
Arent de Gelder, discípulo de Rembrandt.
Realización anticuada, retro, vieux jeu.
Rembrandt se representaba como Zeuxis, el pintor que pereció de un ataque de risa mientras retrataba a una mujer vieja y fea.
Dibujo de Jeroen Henneman, lienzo de Malsen.
Acudo a un vernissage, quedo demasiado tiempo plantada delante de una pintura, me aíslo de todo lo que me rodea, voces, personas.
La atmósfera enrarecida de la sección de arte del periódico.
Una especie de conspiración minimalista, una creación para un pintor o un escultor.
La misteriosa ley que manda que a su muerte el artista se transforme según su creación.
Rembrandt y Jan Lievens aprendieron de Pieter Lastman.
Gerrit Dou, alumno de Rembrandt.
Arent de Gelder, discípulo de Rembrandt.
Realización anticuada, retro, vieux jeu.
Rembrandt se representaba como Zeuxis, el pintor que pereció de un ataque de risa mientras retrataba a una mujer vieja y fea.
Dibujo de Jeroen Henneman, lienzo de Malsen.
Acudo a un vernissage, quedo demasiado tiempo plantada delante de una pintura, me aíslo de todo lo que me rodea, voces, personas.
La atmósfera enrarecida de la sección de arte del periódico.
Una especie de conspiración minimalista, una creación para un pintor o un escultor.
Bernhard
La insensatez y la ineficacia de las llamadas creaciones artísticas.
La posibilidad de ser un artista.
El pintor Stief, del Biedermeier, pintó los óleos que cuelgan de muchas iglesias, palacios y casas burguesas de Salzburgo.
Espléndido edificio de Fischer von Erlach.
Arte para distraer.
Voluntad artística.
El artista poco apreciado, despreciado incluso por su patria, que tiene que largarse.
El hilo que une al arte.
El que aspira a abrirse camino, el obsesionado con la existencia, el artista, el que quiere ir más lejos.
Un pintor artístico.
El sombrero de papel de periódico que utilizan los pintores.
El famoso pintor Leibl.
De las criaturas naturales hacía criaturas artísticas que eran más enigmáticas.
Invenciones artísticas, pintura de miniaturas de esmalte y porcelana.
Un objeto artístico claro y fascinante.
Enzensberger
El sueño de la razón engendra monstruos. Goya.
Orton
Venus de Rokeby. Velázquez.
Millais, "Ofelia",ahogándose como una pesadilla fantasmagórica. Todos los detalles estaban pintados con total meticulosidad. Esta insistencia del detalle terminaba con una atmósfera de ensueño. "La hija del guardabosque", "Marianne". Pero se traicionó después Millais. Esas lastimosas pinturas posteriores. Más y más niñitos bobalicones.
En South Kensington admiramos la magnificencia arquitectónica del Museo de la Ciencia y del V and A.
Barrio victoriano con una capa de encalado.
Un edificio victoriano pintado de azul.
Dai Rees-Davies (1910-1985). Anticuario.
Demasiado letárgico, como sacado de un lienzo de Rubens.
Una tienda de antigüedades de Chelsea.
Sensibilidad artística.
Fowles
El movimiento prerrafaelista. Sus paladines pretendían admitir la naturaleza y la sexualidad. Basta comparar los fondos pastoriles de Millais o Ford Madox Brown con los de Constable o Palmer para ver cuán idealista y relamido era la manera que daban los primeros a la realidad exterior.
Color bistre.
Desnudo de Etty.
Levin
Museo Cooper-Hewitt.
Mansión de estilo Palladio de piedra y ladrillo.
El proceso orgánico de la creación artística.
Higgins Clark
Frederic Remington, pintor y escultor norteamericano del siglo XIX.
Casa de ladrillo y estuco estilo Tudor.
El proceso orgánico de la creación artística.
Higgins Clark
Frederic Remington, pintor y escultor norteamericano del siglo XIX.
Casa de ladrillo y estuco estilo Tudor.
Spillane
Caras de las que te ven desde las paredes de los museos; severas, hostiles y expectantes.
Vonnegut
La arquitectura de la ciudad de Dresde. Sobre las ventanas alegres amoretti entrelazaban alegres guirnaldas. Rudos faunos y ninfas desnudas atisbaban desde las festoneadas cornisas. Y monos de piedra retozaban entre volutas, conchas y bambúes.
Vonnegut
La arquitectura de la ciudad de Dresde. Sobre las ventanas alegres amoretti entrelazaban alegres guirnaldas. Rudos faunos y ninfas desnudas atisbaban desde las festoneadas cornisas. Y monos de piedra retozaban entre volutas, conchas y bambúes.
Le Carré
Grabado Bartlett.
Updike
La cantidad de dibujo de las creaciones de Vermeer.
"Los comensales", lienzo de La Tour.
Chevalier
El arte huye del signo y nutre el símbolo. El símbolo lleva más allá de la significación, precisa del análisis y este de la predisposición. Está cargado de afectividad y dinamismo. Juega con estructuras mentales. Se lo compara con esquemas afectivos, motores, moviliza el psiquismo.
El arco de la arquitectura descansando sobre las impostas se incorpora a la doble simbólica del cuadrado y del círculo y reúne como el nicho los volúmenes del cubo y la copa.
La columna es un elemento esencial de la arquitectura, es un soporte. Representa el eje de la construcción y liga sus diferentes niveles. Simboliza el árbol de la vida marcando el fondo la raigambre, el fuste el tronco y el capitel el follaje.
Para algunas composiciones artísticas de inspiración germánica el murciélago es un atributo de la envidia.
Moorcock
Cornisas y columnas elaboradamente adornadas.
Edificaciones de arquitectura maravillosamente imaginativa.
Construcciones, sueños inútiles como otras cosas construidas por los hombres.
Vastas almenas y puentes curvados de una torre a la otra, espiras delicadas como telarañas.
Un artista había pintado el escenario con las capas más delicadas y los trazos más exquisitos.
Saint-Pierre
Aguante infinito y frágil de los artistas.
Saint-Pierre
Aguante infinito y frágil de los artistas.
Parker
Lastimosas bandas de adefesios helados de frío pintados por Snaeyers, 1614.
Supek
El periodo barroco experimentó la luz y la sombra como ámbito para la existencia anímica de un objeto despojado de masa cabal.
Poirier
M.A. Master of Arts. Profesionales.
Ludlum
El gran vestíbulo, un enorme tabernáculo de sibaritismo arquitectónico.
El arte y la publicidad provocan; pero con esas actividades el índice de fracasos es muy alto y hay demasiado miedo subyacente.
D´Ormesson
Olinda, barrio de Recife, Bahia y Ouro Preto de Minas Gerais, testimonio de la arquitectura colonial clásica de Brasil.
Dibujos de Helleu, Boldini, Thomas Eakins, Winslow Homer, John Singer Sargent.
Renault
Brutales caricaturas de Gillray.
Hogarth habría sido demasiado moralista y Rowlandson excesivamente jovial.
Puzo
Los entornados párpados de las esculturas.
Puzo
Los entornados párpados de las esculturas.
King
La creatividad humana no va demasiado lejos. Al final todos somos obsesivos.
Los ojos de esos retratos que semejan seguir a quien los ve a cualquier parte de la habitación.
El arte representa la persistencia de la memoria.
Hasta qué punto penetra la influencia del arte, incluso de un tipo degenerado como la ficción popular.
Auster
Aquel planteamiento de Hugo Ball influido de Kandinsky de ayudarse de <<todos los materiales y recursos artísticos reunidos>>.
El arte que se opone al arte no abandona ser arte; no se puede ser y no ser a un tiempo.
Dieren
Paisajes de John Constable. El álamo negro.
Lipman
Pintura de Titus, el hijo de Rembrandt, tenía ocho años cuando lo pintó y pereció poco después.
Dos formas de respeto. El respeto según lo que se ha hecho y según el status o posición. Artista, juez.
Dieren
Paisajes de John Constable. El álamo negro.
Lipman
Pintura de Titus, el hijo de Rembrandt, tenía ocho años cuando lo pintó y pereció poco después.
Dos formas de respeto. El respeto según lo que se ha hecho y según el status o posición. Artista, juez.
Sanders
Un pórtico georgiano.
Tenniel, el caricaturista inglés del siglo XIX.
Una reliquia de microscopio de bellísima artesanía de bronce.
Bigote y barba al estilo Van Dyke pulcramente recortados.
Laberintos victorianos.
Las bolas de marfil con complicados tallados que realizan los artesanos orientales. Tardan diez años para fabricarlas. El artista comienza con una esfera sólida de pulido marfil. Tallan la parte exterior con rebuscados diseños abiertos y dentro cortan una esfera más pequeña con movimientos propios. Esa segunda bola lleva también complejos diseños abiertos y dentro gira una tercera esfera y sucesivamente hasta que hay una bolita del tamaño de una arbeja también intrincadamente grabada. Esferas dentro de esferas. El tallado es maravillosamente complicado y es casi imposible descifrar la inscripción que porta la pequeña arveja del centro.
Poseer esa mujer era vandalismo puro, como rajar un Rubens o destrozar un Miguel Ángel.
Marco de la experiencia humana. Monumentos, carteleras, estilo.
Arquitecto Emile Aillaud.
Feyerabend
Es posible reservar la libertad de la creación artística y utilizarla al máximo como un material preciso para encontrar y transformar las propiedades del mundo donde vivimos.
Scott Rogo
Pincel Delta 2.
Goncharenko
El escultor Carlo Bartolomeo Rastrelli, padre del arquitecto Francisco Bartolomeo Rastrelli.
Vasíli Andréiev, gabador del siglo XVII, utilizaba los dibujos de Simón Ushakov.
Famoso orfebre J. Pozier.
Escultores-retratistas. A. Ovsov y G. Misikíiski.
El pintor Knéller, del siglo XVII.
Simón Ushakov, pintor ruso del siglo XVII.
Escultor Falconet.
Holt
Peristilo de Carlton House, una de las casas del príncipe de Gales, anteriormente residencia del príncipe Frederick, el cual había fallecido antes de llegar al trono.
Pintores Peter Lely, Godfrey Kneller.
Simon
Esculturas de lucita.
Polh
Las ciudades prestan una enorme contribución al arte, el saber y la inventiva de la raza humana.
Edificio de pulcritud espartana.
Tregenza
<<Sus lienzos son hogueras, chisporrotean, abrazan y arden con llamas>> (Frank Sibley).
Crane
Malcolm Budd recientemente ha elaborado una defensa de la idea de que las pinturas representan cosas según su semejanza.
La representación pictórica es una forma directa de representación, puesto que la referencia de una pintura y lo que representa semeja obvio. La semejanza es reflexiva y simétrica.
Un retrato tiene que referirse a alguna persona real, pero otra pintura puede no tener referencia. Existe una diferencia con que una pintura esté representando algo como símbolo y que sea la pintura de algo.
Los filósofos pretenden especificar la disposición de la mente de alguien que ve la superficie de la pintura y que a la vez entiende lo que representa.
Golding
Los huérfanos son víctimas de la Naturaleza y el Arte es su recurso y su ilusión.
Brodsky
El escultor Falconnet fue recomendado por Diderot y Voltaire a Catalina la Grande.
Benford
Cúpulas en forma de cebolla del viejo Kíev.
Rube Goldberg. Dibujante norteamericano, dibujos humorísticos de máquinas.
Cohen
La atracción de Nelson Goodman por el arte ha quedado reflejada Cn sus libros filosóficos. Con "Las expresiones del arte" (1968), discute tópicos como la representación, la expresión y la autenticidad desde la perspectiva de lo que llama <<una teoría general de los símbolos>>.
McGrath
Bajo relieve Tudor.
Cohen
La atracción de Nelson Goodman por el arte ha quedado reflejada Cn sus libros filosóficos. Con "Las expresiones del arte" (1968), discute tópicos como la representación, la expresión y la autenticidad desde la perspectiva de lo que llama <<una teoría general de los símbolos>>.
McGrath
Bajo relieve Tudor.
Norfolk
Acuarelas de Cornualles de John Opie.
Xilografía artesanal.
Acuarelas de Cornualles de John Opie.
Xilografía artesanal.
Guhl-Koner
De las creaciones diseñadas por el ingenio humano y ejecutadas con su mano, la producción arquitectónica produce la impresión más grande y poderosa y dan el carácter más distinguido a la vida de un país.
Berman
Optimismo de Leibniz. De una pintura las sombras son precisas para dar forma a la luz y al color.
Hamburger
Una tela de Manet es a la vez un almuerzo sobre la hierba y un conjunto de sustancias coloreadas que el pintor tomó sobre su paleta y cuya composición química podría yo analizar.
Berman
Optimismo de Leibniz. De una pintura las sombras son precisas para dar forma a la luz y al color.
Hamburger
Una tela de Manet es a la vez un almuerzo sobre la hierba y un conjunto de sustancias coloreadas que el pintor tomó sobre su paleta y cuya composición química podría yo analizar.
Cussler
Serenidad de la expresión y dulzura de la visión del estilo del arte escultural de la dinastía Cahola del sur de la India.
Kosinski
Pintar con grisaille. Con blanco y negro.
Potter
Una esencial economía de materiales artísticos.
Vida y pretexto de un diseñador.
Ladear la cabeza como un dibujante de comics fingiendo una imparcialidad totalmente profesional.
Strip cartoon, tira cómica, historieta.
Pese a que las circunstancias habían dispuesto las cosas mejor que el arte, no se daba cuenta de lo mucho que estaba hablando ni de que solo hablaba de él.
Una empalagosa composición prerrafaelista.
No era un creativo, tal vez un diseñador gráfico.
Themerson
La pintura "Les dames à la baignoire". Con las cortinas que se doblaban con pliegues sobre la bañera era más atractivo verla como si fuera el palco de un teatro, un palco para la realeza con dos damas muy hermosas, el seno desnudo de la de la izquierda (¿era Gabrielle d´Estrée?) tocando con exquisita elegancia el pecho del seno derecho de la otra dama (¿era la duquesa de Villas?) realmente aguantándolo con el pulgar y el índice.
Precisamos minorías porque son las que consiguen inyectar a la mayoría con grandes hombres, artistas, escritores, científicos y ocasionalmente algún que otro estadista.
Thorwaldsen esculpió al príncipe Poniatowski semidesnudo sobre un caballo neoclásico.
Enfatizar es el corazón del arte.
Bajo la hermosa superficie estructural de la "Olimpia" de Manet yacían unos armónicos profundos y tácitos. ¿Cómo era posible que Olimpia hubiera causado tal escándalo hacía cien años? La "Ninfa Dormida" de Canova estaba desnuda como Olimpia. El suave y diáfano mármol de la Ninfa Dormida no tenía vello púbico.
Miller
El pintor excelente tiene mentalmente otra finalidad más alta que la alcanzada. Estímulos nuevos.
Hoy todos saben perfectamente que el dinero gastado con creaciones artísticas es dinero no repartido a los accionistas como forma de dividendo y que, por tanto, devalúa las acciones. Hoy día una decoración sobria, cómoda pero no ostentosa comunica una impresión mucho más favorable de éxito empresarial y de seriedad.
Vandenberg
Museo Egipcio de la Charlottenburger Schlosstrase de Berlín. Busto de la reina Nefertiti.
El año 1968 Egipto abrió al publico el templo de Abu Simbel, de 3200. Tras cuatro años de excavación los arquitectos, ingenieros y técnicos serraron el monumento con miles de bloques, los trasladaron tierra adentro 180 metros y los volvieron a instalar sobre una colina de 60 metros de altura. Programa dirigido por una constructora de Essen y un consorcio de empresas suecas, italianas, francesas y egipcias. Gasto del programa 26 millones de dólares.
Fleischer
Tenue resplandor de las pinturas de Turner.
Haldeman
El arte es una manera de poner organización a la confusión durante algún tiempo. Es algo temporal e incompleto, razón de que surjan nuevos movimientos artísticos.
Fuerza que se esconde tras el arte.
Werber
Para la pintura, la estrella de seis puntas se emplea para mostrar la totalidad de las asociaciones de colores.
Miller
El pintor excelente tiene mentalmente otra finalidad más alta que la alcanzada. Estímulos nuevos.
Hoy todos saben perfectamente que el dinero gastado con creaciones artísticas es dinero no repartido a los accionistas como forma de dividendo y que, por tanto, devalúa las acciones. Hoy día una decoración sobria, cómoda pero no ostentosa comunica una impresión mucho más favorable de éxito empresarial y de seriedad.
Vandenberg
Museo Egipcio de la Charlottenburger Schlosstrase de Berlín. Busto de la reina Nefertiti.
El año 1968 Egipto abrió al publico el templo de Abu Simbel, de 3200. Tras cuatro años de excavación los arquitectos, ingenieros y técnicos serraron el monumento con miles de bloques, los trasladaron tierra adentro 180 metros y los volvieron a instalar sobre una colina de 60 metros de altura. Programa dirigido por una constructora de Essen y un consorcio de empresas suecas, italianas, francesas y egipcias. Gasto del programa 26 millones de dólares.
Fleischer
Tenue resplandor de las pinturas de Turner.
Haldeman
El arte es una manera de poner organización a la confusión durante algún tiempo. Es algo temporal e incompleto, razón de que surjan nuevos movimientos artísticos.
Fuerza que se esconde tras el arte.
Werber
Para la pintura, la estrella de seis puntas se emplea para mostrar la totalidad de las asociaciones de colores.
Spinrad
Edificios Bonaventure, Hyatt.
Villas coloniales españolas de Silver Lake.
Rambaud
Tela al pastel de Rosalba Carriera.
Munck
El arquitecto Elias Holl de Augsburgo.
Cristian IV contrató a la familia Steenwinckel de Amberes, a los pintores Peter Issaczs y Karel van Mander y el hamburgués Jacob van Doort. Torre redonda al lado de la iglesia de la universidad de Copenhague, figuras del castillo de Frederiksborg, pinturas histórico-alegóricas del palacio de Rosenborg y del castillo de Kronborg.
El arquitecto Elias Holl de Augsburgo.
Cristian IV contrató a la familia Steenwinckel de Amberes, a los pintores Peter Issaczs y Karel van Mander y el hamburgués Jacob van Doort. Torre redonda al lado de la iglesia de la universidad de Copenhague, figuras del castillo de Frederiksborg, pinturas histórico-alegóricas del palacio de Rosenborg y del castillo de Kronborg.
Benevolo
La ciudad es un conjunto de recintos donde va madurando el arte de dominar las distancias medias y cortas -arquitectura-, mientras el arte pasado de ocupar y modificar el paisaje terrestre limitado va siendo olvidado. La casa, el palacio y el templo son recintos parciales importantes cuanto más separados.
En Amsterdam, en la época de De Witt, actúan Rembrandt, Huygens, Spinoza, y se publican los libros de Decartes y Galileo. Esta originalidad queda confirmada con reglamentaciones urbanas y paisajísticas.
A partir del cuarto decenio del XVII, una nueva generación de arquitectos que se forman con la pintura -Jacob van Campen, Pieter Post, Salomon de Bray- se encargan de añadir los edificios especiales, palacios e iglesias que surgen del tejido urbano de Amsterdam.
Los pintores paisajistas -Dujardin, Ruisdael, Koninck, Emmanuel de Witte, los cuales se especializan von la reproducción de ambientes rurales y urbanos, exteriores e interiores con escrupulosidad realista y expresión emotiva, transmiten a la experiencia clásica europea la aportación prolongada de la experiencia holandesa. La agudeza de la penetración de la fisonomía humana y la intelección del sentido orgánico del escenario urbano y extraurbano animado con la presencia del ser humano, la tarea de llegar hasta el fondo de la confrontación de la perspectiva y la ciudad, presupone un examen visual del equilibrio alterado de los campos de la experiencia humana realizado por los artistas que comenzaron su labor el segundo decenio del XVII. Para la arquitectura Bernini, Borromini, François Mansart, Louis II le Vau, Inigo Jones, Jacob van Campen. Su característica común es una tendenciosidad, la valoración de lo personal, opuesto a una costumbre general y deriva con un abanico de opciones alternativas. Bernini trabaja con el obrador de San Pedro y cicatriza el desajuste de la gigantesca construcción de Bramante, Sangallo, Miguel Ángel y Maderno y el tejido urbano circundante.
Evelyn es un rico aficionado al arte.
Los nuevos escenarios del XVIII son la cristalización de los ideales estéticos difundidos. La línea ondulada de la belleza propuesta por Hogarth, 1745, "The Analysis of Beauty", 1753.
Una vez que Wren y Hawksmoor han añadido elementos góticos aislados a los edificios de Oxford, William Kent construye el año 1738 en Hampton Court una fachada gótica en el patio que da a la sala Tudor por consejo de Robert Walpole. Batty Langley publica, 1742, una gramática del estilo gótico.
Se abren los primeros museos publicos del Campidoglio (1732), el Vaticano (1739), de Londres (1759).
En la rue de Rivoli, los edificios los levantan muchos constructores y la municipalidad les obliga a seguir un diseño de fachada proporcionado por Percier y Fontaine, 1806.
Gustave Doré publica los libros de grabados sobre París, 1861, y Londres, 1872. La ciudad vieja y la nueva se confunden con una imagen pintoresca y la realidad puesta sobre un escenario e iluminada con luces rasantes está sutilmente falseada. El pintor ejerce con este escenario su libertad de decisión (<<la facultad artística representa la selección>>) y escoge aquello que puede presentarse como un espectáculo atractivo exagerando los motivos de lejanía y extrañeza. La realidad con movimiento se inmoviliza y se sitúa fuera del tiempo para poderla reproducir y difundir.
Con la pintura de Monet, "Boulevard des Capucins", 1873, lo arquitectónico pierde la forma estilística distinguible y se transforma como murallas lejanas con trazos claros y oscuros; el río se reduce a un ejército de sombras iguales.
Los sectores comprometidos del ciclo de producción y disfrute de los materiales artísticos pasan un proceso orgánico de evolución.
Pintores de ambientes campestres. Van Goyen, Cuyp, Dujardin, Ruisdael, Van de Velde, Hobbema.
Pintores de ambientes urbanos. Van der Heyden, Berckheyde.
Van de Capelle y Backuysen, marinas.
Van der Neer, paisajes invernales.
Personajes con cometido del campo de la arquitectura. John Evelyn, rico terrateniente y amigo del gran coleccionista lord Arundel viaja a Francia, Holanda e Italia y vive en Roma los años 1644 y 1645 con su coetáneo Roger Pratt. El año 1651 regresa a Inglaterra y se dedica a la jardinería. El año 1664 publica la traducción inglesa del libro de Frèart de Cambray "Equivalencia de la arquitectura clásica y moderna" con un glosario de términos técnicos. Su diario, que arranca del año 1640, contiene descripciones de jardines europeos; villa d´Este de Tivoli, palacio Doria de Génova, Boboli, Pratolino, el Quirinal, el bosque de Boulogne y el parque de Luxemburgo.
Christopher Wren encuentra en París a Mansart, Le Van y Bernini. A su regreso, requerido como consejero con Evelyn, Pratt y May para la restauración de la catedral gótica de San Pablo, propone reconstruir el crucero cubriéndolo con una gran cúpula sustituyendo de la ruinosa torre medieval.
Robert Hook procede de una modesta familia. Hace un aprendizaje en el estudio de Lely como pintor de retratos. Estudia en Westminster School y Oxford. Se transforma como ayudante de Boyle y colabora con la fabricación de la machina Boyleana. Mientras ocupa su puesto de delineante de la Royal Society le emplea Wren como colaborador de las actividades de arquitectura por sus extraordinarias dotes de dibujante.
Los sectores comprometidos del ciclo de producción y disfrute de los materiales artísticos pasan un proceso orgánico de evolución.
Pintores de ambientes campestres. Van Goyen, Cuyp, Dujardin, Ruisdael, Van de Velde, Hobbema.
Pintores de ambientes urbanos. Van der Heyden, Berckheyde.
Van de Capelle y Backuysen, marinas.
Van der Neer, paisajes invernales.
Personajes con cometido del campo de la arquitectura. John Evelyn, rico terrateniente y amigo del gran coleccionista lord Arundel viaja a Francia, Holanda e Italia y vive en Roma los años 1644 y 1645 con su coetáneo Roger Pratt. El año 1651 regresa a Inglaterra y se dedica a la jardinería. El año 1664 publica la traducción inglesa del libro de Frèart de Cambray "Equivalencia de la arquitectura clásica y moderna" con un glosario de términos técnicos. Su diario, que arranca del año 1640, contiene descripciones de jardines europeos; villa d´Este de Tivoli, palacio Doria de Génova, Boboli, Pratolino, el Quirinal, el bosque de Boulogne y el parque de Luxemburgo.
Christopher Wren encuentra en París a Mansart, Le Van y Bernini. A su regreso, requerido como consejero con Evelyn, Pratt y May para la restauración de la catedral gótica de San Pablo, propone reconstruir el crucero cubriéndolo con una gran cúpula sustituyendo de la ruinosa torre medieval.
Robert Hook procede de una modesta familia. Hace un aprendizaje en el estudio de Lely como pintor de retratos. Estudia en Westminster School y Oxford. Se transforma como ayudante de Boyle y colabora con la fabricación de la machina Boyleana. Mientras ocupa su puesto de delineante de la Royal Society le emplea Wren como colaborador de las actividades de arquitectura por sus extraordinarias dotes de dibujante.
Benni
Columnas pandóricas.
Claves secretas ocultas de las pinturas de Poussin y Teniers.
Tuiles. Jardines donde Claude Monet había experimentado con la forma y el color alumbrando el nacimiento del Impresionismo.
Un conjunto simbólico consistente. Iconografía.
El numero Phi. La Divina Proporción. 1,618. El arte lo aprecia el numero más bello del universo.
Clef de voûte, término arquitectónico. Voûte representa la bóveda que remata un arco. Todo arco precisa de una dovela, una piedra con forma de cuña a su parte más elevada que ayuda a mantener unidas las demás piedras y que aguanta todo el peso. Esa piedra es, según el sentido arquitectónico, la clave de la bóveda. Las claves de bóveda, por cuanto técnicas para la construcción de arcos habían sido uno de los secretos mejor guardados de los gremios de canteros y albañiles. Realmente esos gremios habían sido el origen de la masonería. Maçon significa albañil. <<El Grado del Arco Real. La arquitectura. Las claves de bóveda>>. La experiencia secreta con referencia al uso de una clave con forma de cuña para la construcción de un arco abovedado había transformado a los constructores como artesanos ricos y lo guardaban celosamente. Los buscadores del Grial, sabedores de la costumbre de juegos de palabras y dobles sentidos del Priorato habían supuesto que la clave de bóveda debía ser textualmente una cuña arquitectónica, una piedra con inscripciones codificadas insertada con el arco de alguna iglesia.
Las rosas de la arquitectura, los rosetones de las ventanas, de las moldaduras. Las rosas de cinco pétalos rematando arcos, embelleciendo claves de bóveda.
Rutherfurd
Floreció el estilo gótico tardío o perpendicular que culminó con la construcción del King´s College de Cambridge.
Versión inglesa del majestuoso movimiento barroco. Wilton House, galería de telas de Van Dyck.
Mee-Spawforth
Museo Obërlander.
Versión inglesa del majestuoso movimiento barroco. Wilton House, galería de telas de Van Dyck.
Mee-Spawforth
Museo Obërlander.
Ford
El pintor Frederic E. Church.
La escuela de pintura del Hudson River.
Los artistas encuentran un lugar frío dentro del corazón. Lo llaman fuerza, inteligencia.
Las cataratas del Niágara de la pintura de Frederic Church.
Un artista alberga cosas opuestas dentro de la mente.
Sardou
Una gran tela, la pericia del artista, la finura de la dermis y una originalidad de la combinación de los dorados, la tierra de Siena y la tinta de cinabrio.
Tomalin
Charles Barry diseñaba Trafalgar Square.
La "Danza de la muerte", de Holbein, una serie de grabados en blanco y negro con los que la muerte era un esqueleto sonriente que escogía sus víctimas entre ricos y pobres, viejos y niños, soberanos y reinas, sacerdotes y abogados. Holbein mostraba cuerpos vestidos y desnudos, vida y muerte.
El grabador Scriven.
Los grabados de Hollar de la serie "Danza de la muerte" de Holbein.
El excéntrico escultor escocés Angus Fletcher hizo el primer busto de Dickens, 1839.
Macrone consiguió que Turner ilustrara "Paraíso perdido".
Clarkson Stanfield (1793-1867) consiguió empleo en Londres pintando decorados teatrales y finalmente encontró su métier como artista marítimo. Llevaba ese nombre como un honor del abolicionista Thomas Clarkson, amigo de su padre, el cual era actor y autor. Llevó a Turner al almuerzo que Dickens organizó para celebrar "Martin Chuzzlewit", 1844.
Frank Stone, hijo de un hilandero de algodón de Manchester era un pintor autodidacta, el cual lograba mantenerse a flote vendiendo retratos y acuarelas.
Daniel Maclise, pintor de retratos y temas históricos, provenía de una familia pobre irlandesa. Lady Henietta Sykes, amante de Disraeli, había sido sorprendida in flagrante con él.
George Cattermole (1800-1868) era un pintor especializado de temas históricos, hijo de un hacendado de Norfolk.
John Leech, nacido en Londres (1817), se hizo artista y caricaturista profesional para la revista "Punch". Sus dibujos de niños de la calle publicados el año 1840 con el título satírico de <<Niños de la movilidad>>, o sea de la calle, o pobres, son excepcionales. El niño Ignorancia y la niña Menester, hechos para "Cuento de Navidad" pertenecen a este tipo de dibujos.
Elizabeth Butler, pintora.
Dickens atacó la pintura de Millais "Cristo en la casa de sus padres", tachándolo de <<espantoso, detestable, repulsivo y repugnante>>. Artículo ofensivo para el movimiento prerrafaelista. Lady Eastlake, escritora y amiga de los Carlyle y mujer de Charles Eastlake, primer director de la National Gallery, expresó lo mucho que disfrutaba de la compañía de Dickens con las cenas y mantuvieron correspondencia.
Ary Scheffer, célebre retratista.
El retrato que hizo William Frith de Dickens, 1859, se ve un ser humano de ojos airados que ven como queriendo desafiar al mundo. Se exhibió en la Royal Academy.
Sol Eytinge, pintor americano.
Luke Fildes, recomendado por Millais.
Millais acudió para dibujar el rostro inerte de Dickens, que ya habían vendado los de la funeraria y el escultor Thomas Woolner hizo un molde de su rostro.
Charles Barry diseñaba Trafalgar Square.
La "Danza de la muerte", de Holbein, una serie de grabados en blanco y negro con los que la muerte era un esqueleto sonriente que escogía sus víctimas entre ricos y pobres, viejos y niños, soberanos y reinas, sacerdotes y abogados. Holbein mostraba cuerpos vestidos y desnudos, vida y muerte.
El grabador Scriven.
Los grabados de Hollar de la serie "Danza de la muerte" de Holbein.
El excéntrico escultor escocés Angus Fletcher hizo el primer busto de Dickens, 1839.
Macrone consiguió que Turner ilustrara "Paraíso perdido".
Clarkson Stanfield (1793-1867) consiguió empleo en Londres pintando decorados teatrales y finalmente encontró su métier como artista marítimo. Llevaba ese nombre como un honor del abolicionista Thomas Clarkson, amigo de su padre, el cual era actor y autor. Llevó a Turner al almuerzo que Dickens organizó para celebrar "Martin Chuzzlewit", 1844.
Frank Stone, hijo de un hilandero de algodón de Manchester era un pintor autodidacta, el cual lograba mantenerse a flote vendiendo retratos y acuarelas.
Daniel Maclise, pintor de retratos y temas históricos, provenía de una familia pobre irlandesa. Lady Henietta Sykes, amante de Disraeli, había sido sorprendida in flagrante con él.
George Cattermole (1800-1868) era un pintor especializado de temas históricos, hijo de un hacendado de Norfolk.
John Leech, nacido en Londres (1817), se hizo artista y caricaturista profesional para la revista "Punch". Sus dibujos de niños de la calle publicados el año 1840 con el título satírico de <<Niños de la movilidad>>, o sea de la calle, o pobres, son excepcionales. El niño Ignorancia y la niña Menester, hechos para "Cuento de Navidad" pertenecen a este tipo de dibujos.
Elizabeth Butler, pintora.
Dickens atacó la pintura de Millais "Cristo en la casa de sus padres", tachándolo de <<espantoso, detestable, repulsivo y repugnante>>. Artículo ofensivo para el movimiento prerrafaelista. Lady Eastlake, escritora y amiga de los Carlyle y mujer de Charles Eastlake, primer director de la National Gallery, expresó lo mucho que disfrutaba de la compañía de Dickens con las cenas y mantuvieron correspondencia.
Ary Scheffer, célebre retratista.
El retrato que hizo William Frith de Dickens, 1859, se ve un ser humano de ojos airados que ven como queriendo desafiar al mundo. Se exhibió en la Royal Academy.
Sol Eytinge, pintor americano.
Luke Fildes, recomendado por Millais.
Millais acudió para dibujar el rostro inerte de Dickens, que ya habían vendado los de la funeraria y el escultor Thomas Woolner hizo un molde de su rostro.
Lewis
El vigor documental de las pinturas de William Hogarth o los escenarios bulliciosos de Thomas Rowlandson (1756-1827), el gran pintor de los pechos exuberantes y las barrigas colgantes.
El pintor irlandés Charles Jervas (1675-1739).
La pintura de Rubens de las Gracias.
Las lamias, lamiae, monstruo nocturno que devora a los niños y que sofoca a los hombres durante el sueño de pesadilla que les induce, sentándose sobre su pecho como la pintura <<La pesadilla>>, de Füssli, se refiere a la tríada de demonios mesopotámicos Lilu, Lilitu y Ardath Lili, esta análoga a la Lilith hebrea.
El vigor documental de las pinturas de William Hogarth o los escenarios bulliciosos de Thomas Rowlandson (1756-1827), el gran pintor de los pechos exuberantes y las barrigas colgantes.
El pintor irlandés Charles Jervas (1675-1739).
La pintura de Rubens de las Gracias.
Las lamias, lamiae, monstruo nocturno que devora a los niños y que sofoca a los hombres durante el sueño de pesadilla que les induce, sentándose sobre su pecho como la pintura <<La pesadilla>>, de Füssli, se refiere a la tríada de demonios mesopotámicos Lilu, Lilitu y Ardath Lili, esta análoga a la Lilith hebrea.
Coney Mulligan
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